Anche questo primo lunedì di maggio 2026 -come, non saprei di preciso, ma facciamo i dieci precedenti? - è stata un’occasione mancata per parlare di moda intesa come forma d’arte (che poi sarebbe il motivo per cui i ricchi in quell’occasione fanno donazioni: preservare il Costume Institute, l’ala del Met che conserva una collezione di trentamila tra abiti e accessori). Sull’onda della critica che ha definito lo spettacolo di quest’anno, molte più voci si sono unite al coro di quelli che da tempo pensano che la maggior parte degli invitati non sappia nemmeno commentare il look che porta in passerella. In linea di massima non vengono neanche stimolati a farlo dalle celeb-intervistatrici preposte nelle apposite station. Ma la cosa più interessante è che l’outfit più politico della serata, oltre ad essere passato inosservato, è stato tacciato di razzismo. Come se Chanel,…Chanel! non sapesse di trovarsi al Met Gala.

Bhavitha Mandava è la modella indiana scelta da Chanel a fine 2025 per aprire la sfilata nella stazione metropolitana abbandonata-Bowery- di New York. Seppure non dichiaratamente politica, la scelta di usare Bhavitha cade contemporaneamente all’elezione, a fine 2025, di Zohran Mamdani come sindaco della città metropolitana. Il look scelto era particolarmente semplice e per questo molto di impatto in un contesto haute couture: maglia beige con collo zip, denim e le sling back bicolore, marchio di fabbrica del brand. Insieme alla scelta della location, la stazione di un mezzo di trasporto pubblico per definizione democratico, la maison con quel look understated ha voluto generare un dibattito verso gli standard del lusso riproponendolo -declinato su tessuti più preziosi- sempre su Bhavitha per la serata del Met Gala. Apriti cielo! Ma no, Chanel non ha vestito male la modella perché indiana e quindi per umiliarla così, en plein air. Chanel ha fatto quello che in marketing si chiama brand positioning statement, il modello utilizzato dalle aziende per definire e raccontare il proprio orientamento. Che non sarà quello di abbassare i prezzi e diventare ecosostenibile etc. etc, ma piuttosto quello di aprire un dibattito sulla (impossibile) democratizzazione del lusso con lo scopo principale, se non unico, di innalzare la reputazione del marchio.

Ad ogni modo molti sono gli invitati che hanno onorato il tema e qui ho selezionato quelli che a mio avviso sono i cinque look ispirati dalle migliori Black References di quest’anno visto che in questo spazio si parla soprattutto di questo: black style.

Il Diavolo veste Prada 2, di contro, trova la sua ragion d’essere nell’aver raccontato quanto il paradigma moda e relativa editoria sia cambiato in vent’anni. In soli vent’anni.

A differenza del sopraccitato And Just Like That (paragonabile per la connessione moda), Il Diavolo veste Prada 2 dimentica di fare atto della più doverosa reparation. Ad anticipare il plot cinematografico, infatti, ci aveva pensato con largo anticipo André Leon Talley con la sua autobiografia del 2020 dall’evocativo titolo The Chiffon Trenches. Il troppo poco accreditato Talley è chiaramente l’ispirazione principale per il personaggio di Nigel. Forse un mix di André Leon e Grace Coddington, per decenni alla destra e alla sinistra di Mother Anna.

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Look here
You got the look You must’a took
A whole hour just to make up your face, baby
Closin’ time, ugly lights, everybody’s inspected
But you are a natural beauty unaffected
Did I say an hour?
My face is red, I stand corrected

Non sono poche le celebs che negli ultimi anni lo hanno citato sul red carpet partendo da Beyoncé, Rita Ora, Lady Gaga fino ad arrivare alla più recente apparizione di Zendaya alla premiere di The Drama con un look Harris Reed ispirato all’originale indossato da Prince nel tour Purple Rain del 1985.

Esattamente come il suo percorso artistico musicale, anche il suo stile produced, arranged, composed & performed by Prince si è evoluto e reinventato quasi ad ogni album. All’interno del suo compound di Channhassen, Minneapolis, insieme agli studi di registrazione (A, B e C) era presente anche un costume department in cui le mani esperte di sarti e stilisti si sono alternate giorno e notte per dare vita alle sue visioni e alle sue references.

Anni ‘80

Questa è stata la sua epoca aurea sotto ogni punto di vista. Anche chi lo conosce superficialmente, se dovesse raccontarlo, lo farebbe improvvisando qualche nota di Kiss o ricorrendo alle immagini del vapore violaceo di Purple Rain.

Non a caso il look che lo ha per sempre cristallizzato ad icona immortale di stile è proprio quello che lo accompagna nell’esibizione struggente del film omonimo.

L’idea di un trench personalizzato con borchie e declinato, per lui e la band, in più colori, prende vita insieme ad una amica di infanzia, Sylvia, nello stesso sottoscala in cui impara a suonare praticamente ogni singolo strumento.

Quando la fama aumenta e il pubblico di amici lascia spazio a quello pagante, interviene la professionalità combinata di Marie France, Louis Wells e Vaughn Terry che completano il look con un trionfo di rouches e di arricciature sui pantaloni super skinny.

Anni ‘90

Stacia Lang è la stilista che lo accompagna negli anni Novanta e dà forma alla sua idea glamour di gangster, stile che lei stessa definisce Gangsta Glam Rock.

Si fanno strada completi block color in tradizione zoot suit, super skinny con blazer cropped. I suoi capelli sono voluminosi, accorciati ai lati e definiti dai baby hair scolpiti sulla fronte, tanto in voga, oggi, tra star come Rihanna e Fka Twigs.

Indimenticabile il look indossato agli MTV Awards del 1991 dove un completo giallo in pizzo laserato lascia completamente in vista il b-side.

Nuovo Millennio

Sperimenta lunghe tuniche dalle vibes ecclesiastiche per approdare, finito il deep dive religioso, ad outfit 70ies con tocchi psichedelici e capelli afro. Nelle occasioni che meglio lo hanno raccontato in questo nuovo millennio torna (fortunatamente) a prendere ispirazione dal suo stesso guardaroba.

Ai Grammy Awards del 2004 si esibisce insieme a Beyoncé con un completo blu doppiopetto accompagnato da camicia e cravatta oro.

Alla premiazione della Rock & Roll Hall of Fame dello stesso anno cita il grande Robert Johnson con un completo gessato, camicia e fedora rosso fuoco.

Al Super Bowl del 2007 si esibisce sotto la pioggia di Miami con un completo azzurro in contrasto alla camicia arancione e ad un durag nero annodato sulla fronte.

A dieci anni dalla sua scomparsa ho deciso di raccontare Prince con una serie di articoli che potete trovare sul mio blog:

• PRINCE 2016-2026 da dove è partito, dove è arrivato e tutto quello che c’è stato in mezzo.

• PRINCE e la moda: un’analisi della sua estetica ancora oggi reference per stylist e brand moda.

• PRINCE e la cultura Hip Hop: una riflessione insieme a Mookienewsletter sul suo rapporto con una cultura che soprattutto nei Novanta si fa mainstream.

• PRINCE e il cinema: una riflessione con Lapo Gresleri sul suo rapporto con la settima arte.

• PRINCE libri da leggere: la mia personale selezione in ordine di gradimento.

L’aver trasformato il super eroe T’Challa/Shuri in un Re Afrofuturistico le ha fatto guadagnare questo riconoscimento prima con i costumi di Black Panther (2018), poi con quelli di Black Panther: Wakanda Forever (2022). Nel 2021 è diventata la seconda costumista a ricevere una stella sulla Hollywood Walk of Fame.

Ma la verità è che Ruth E. Carter ha creato costumi da grande schermo per una lunga lista di eroi neri: da Martin Luther King a Malcolm X passando attraverso Cinqu, John Lewis, Thurgood Marshall e il The Butler/maggiordomo della Casa Bianca.

Collaborando con i più famosi registi neri tra cui Spike Lee, Ava DuVernay e Ryan Coogler è riuscita a raccontare la Black Experience consolidandosi come voce autorevole in tema di estetica Afro.

ORIGINI

Ruth (b.1960) per tutti gli anni di studio presso la HBCU Hampton University in Virginia, frequenta con passione il corso teatrale dell’istituto nonostante rimanga molto delusa quando, in occasione di uno spettacolo di fine stagione, le viene proposto di occuparsi della creazione e selezione dei costumi invece di interpretare un ruolo in qualità di attrice. Del resto non può ancora sapere, in quel momento, che quella frustrazione farà spazio alla più luminosa delle carriere.

Nello stesso anno, quando viene assunta come costumista dal Los Angeles Theater Center, incontra Spike Lee. Spike non è ancora così famoso in quel momento, ma è già molto determinato e sicuro della sua visione. Non passerà molto tempo prima che Ruth inizi a lavorare per lui alla 40 Acres & a Mule. È qui che avviene l’epifania: comprende di non essere solo una semplice costumista, ma di poter raccontare, attraverso il suo lavoro, la Black Experience.

Il viaggio creativo di Ruth E. Carter è infatti un percorso che parte dalle brownstones di Brooklyn, arriva all’Afrofurismo passando attraverso il movimento politico, culturale e sociale del panafricanismo.

Le sue creazioni diventano forma di espressione attraverso le quali i protagonisti delle pellicole raccontano le loro storie, la loro epoca e i confine geografici in cui queste si sviluppano.

LOOK PER EROI

Mookie

In Do the Right Thing la volontà di Spike Lee è quella di raccontare il clima culturale e sociale di quell’anno (1989) caratterizzato da un grande caldo, dall’udienza di Tawana Brawley e dalla tensione razziale esplosa a seguito dell’omicidio di Jusef Hawkins. É un film di protesta che sintetizza le idee di Spike in quel periodo: Tawana stava dicendo la verità, Mike Tyson rappresentava il meglio di Brooklyn e i Public Enemy avrebbero scritto la canzone di protesta per il film.

Ma ciò che ha reso iconico e immortale questo film è rappresentato senza ombra di dubbio dai look dei protagonisti.

I principali sono quelli indossati da Spike/Mookie:

• la Jersey dei Dodgers con il numero 42 (numero ritirato poi dal circuito nel 1997) associato a Jackie Robinson, il primo giocatore afroamericano nella MLB.

• la camicia da bowling con i colori della bandiera italiana e con ricamato Sals Famous Pizzaria indossata sopra alla combo di bermuda e ciclisti aderenti.

La Nike è una delle principali aziende a sponsorizzare il film fornendo un gran numero di sneakers (che gli attori si strapperanno dalle mani in tutto il periodo di realizzazione di questo).

Radio Raheem

Gli anelli LOVE & HATE indossati da Raheem e comprati al Fulton Street Mall in downtown Brooklyn, sono un riferimento al film The Night of the Hunter del 1955 in cui il protagonista racconta la storia della ciclica battaglia tra amore e odio. Nel film di Lee, Radio Raheem racconta una storia simile a Mookie mentre in sottofondo viene prodotta la canzone dei Public Enemy Fight the Power.

La sua t-shirt colorata è stata commissionata da Ruth all’artista di Brooklyn NaSha e il claim Bed Stuy Do or Die (che più o meno significa Go Hard or Go Home) fa riferimento a temi legati ai rapporti di vicinato, al senso di appartenenza e alla gentrificazione.

Le Nike Air Jordan 4 bianche indossate citano in un dettaglio i colori della bandiera panafricana.

Inseparabile il ghetto blaster o boombox che molto prima di iPods e iPhones era lo strumento di musica portatile.

Malcolm X

Per prepararsi a creare i look del leader afroamericano Ruth trascorre molto tempo ad Harlem con l’obiettivo di catturare l’essenza della Nation of Islam. Lo fa non solo camminando per la città, ma anche attraverso materiale fotografico recuperato al Schomburg Center for Research in Black Culture. Studia la biografia del leader suddividendola in quelle che in definitiva sono le cinque fasi principali: i primi anni ’40 al Roseland Ballroom, i tardi anni ‘40 e Detroit Red, gli anni ‘50 e ‘60, la conversione all’Islam e il cambio nome. Ognuna di queste fasi corrisponde a differenti scelte stilistiche che definiscono il percorso di evoluzione di Malcolm X a sua volta strettamente legato alla storia afroamericana.

I look sono così tanti che vengono conservati suddivisi in queste epoche negli altrettanti piani dell’hq di Spike Lee in St. Felix, Brooklyn.

Zoot Suit

È un sotto protagonista della prima fase di vita di Malcolm X ed è un outfit molto caratteristico nato dalla cultura giovanile popolare ed indossato dalla classe operaia di neri-americani, filippini-americani, italo-americani, giapponesi-americani, ebrei-americani e messicano-americani.

Lo Zoot Suit è una estremizzazione del completo maschile più classico degli anni ’30, il drape suit. Giovani uomini (e occasionalmente donne) in molte città d’America acquistavano completi oversized e poi li trasformavano in zoot suit con pantaloni baloon e giacche con spalline esagerate. Il look di solito si completava con un cappello fedora, un orologio da taschino, una cintura sottile e delle scarpe abbinate.

Nel 1940 lo Zoot Suit diventa simbolo di minaccia al patriottismo a causa dell’eccessivo consumo di tessuto in un momento di razionamento della lana e della seta, materiali che vengono conservati per i soldati impegnati a combattere nella Seconda Guerra Mondiale. Questo razionamento viene usato per giustificare atti di violenza contro chi li indossa, detti zoot suiters (di solito giovani uomini di colore) e conduce agli Zoot Suit Riots che esplodono nell’estate del 1943 a Los Angeles per diffondersi poi in altre città come Detroit e New York City.

Afrofuturismo

Black Panther e Black Panther: Wakanda Forever raccontano al mondo che l’Africa non è un unico monolite con una sola, unica e condivisa cultura, ma è un continente fatto da più stati, più tribù, più culture.

Ruth, mettendo in connessione l’estetica AfroPunk e quella delle antiche civilità mesoafricane, porta a compimento la celebrazione più contemporanea possibile, quasi a chiusura di un ciclo, degli eroi e delle eroine nere.

Prince Akeem

Nonostante non sia mai facile replicare in un sequel il successo di un grande film come Coming to America (1988), in termini di costume design l’obiettivo è stato sicuramente raggiunto se non addirittura superato.

In Coming 2 America (2021) i look, circa 800, creati per Eddie Murphy e gli abitanti di Zumunda (comprese le uniformi degli impiegati di McDowell’s) sono strumento per l’amplificazione della royalness africana. Ruth per raggiungere l’obiettivo si fa aiutare da una trentina di designers internazionali tra cui JJ Valaya della House of Valaya, il sud africano Palesa Mokubung, l’africano Laduma Ngxokolo creator di Maxhosa e Sergio Hudson (lo stesso che creò l’outfit di Michelle Obama per la cerimonia di inaugurazione di Biden).

Iconico il duetto tra le En Vogue e le Salt-n-Pepa queste ultime vestite in una replica dei famosi outfit by Dapper Dan.

Tina Turner

In What’s love got to do with it (1993) è la stessa Tina Turner a fornire a Ruth suoi personali capi di abbigliamento utilizzati nelle performances più conosciute. A questo film è legato uno dei ricordi più cari di Ruth: Tina che prepara i capelli ad Angela Bassett (la protagonista che la interpreta nel film) per poter indossare la parrucca prevista nella scena in lavorazione.

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Tutti i video e le foto di questo articolo sono stati fatti alla mostra Ruth E. Carter: Afrofuturism in Costume Design presso lo spazio espositivo Historic Jamestowne a Jamestown, Virginia nel 2024.

PER APPROFONDIRE:

• The Art of Ruth E. Carter, libro immagini e testo sulla sua eredità nel costume design;

• Ruth E. Carter -Afrofuture in Costume Design, il suo canale YouTube

Nel suo terzo libro Black Images Matter indaga in modo particolare il modo in cui il nuovo cinema black sta riscrivendo l’America smontando gli stereotipi che hanno a lungo definito la rappresentazione afroamericana su pellicola.

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IO-In questo ultimo anno mi sono occupata molto del costume e dell’estetica black partendo dalla mostra al MET dedicata al Black Dandyism. Ho letto il tuo libro con particolare interesse e la prima domanda che voglio farti ha a che fare proprio con questo tema: quanto è importante l’abbigliamento nella cinematografia black, in particolare nella New Black Wave? Penso a Queen & Slim o a Spike Lee: in che modo l’immagine dei protagonisti e la loro estetica è servita come mezzo per rafforzare messaggi o farne passare altri, magari più secondari, legati al contesto e alla cultura che circonda i personaggi?

LAPO-Diciamo che pur non essendo un elemento centrale della narrazione cinematografica nera, la moda black è stata essenziale nella definizione dell’immaginario a essa legata. Quando parliamo di cinema parliamo pur sempre di una delle principali industrie culturali a livello internazionale, capace di costruire narrazioni efficaci e al passo coi tempi di realtà e questioni presenti nei contesti nazionali che proprio per la natura stessa del grande schermo - uno spettacolo condiviso da un pubblico seduto a osservare immagini di enormi dimensioni - contribuisce fortemente alla creazione di miti, idee e stili di vita a esse collegate. Se oggi internet detta le mode, è ancora l’industria audiovisiva a consacrarle a status, a simboli di una specifica appartenenza identitaria in cui le folle si identificano. Nel caso specifico della cultura afroamericana pensiamo a quanto la blaxploitation abbia contribuito all’affermazione del black style anni 70 (giacche e impermeabili in pelle, dolcevita o camicia attillata, pantaloni a zampa, capigliature afro, evidenti barbe e basette), ai ghetto movies di un decennio dopo, che hanno portato all’attenzione la moda e l’estetica hip hop fino ai cromatismi, le mises eccentriche e i minuziosi dettagli ricchi di rimandi simbolici alla propria storia e cultura di cui sono disseminati i film di Spike Lee. Nel panorama contemporaneo della New Black Wave il discorso è molto simile, ancor più condizionato dalla consapevolezza del mezzo filmico e del suo potenziale iconico. Pensiamo a come Ryan Coogler rielabori l’estetica afrofuturista nei due Black Panther o il dandinismo nero quale espressione di emancipazione, identità e individualità ne I peccatori (ancora di Coogler) e Sylvie’s Love di Eugene Ashe. E’ anche attraverso l’uso e la rilettura di mode e stili specifici che autori come Barry Jenkins o Melina Matsukas vengono a scardinare determinati stereotipi correlati, ad esempio l’immaginario del ghetto in Moonlight o Queen & Slim. Per non parlare poi del lavoro certosino della costumista Lindsay Pugh per il recentissimo Hedda di Nia DaCosta, in cui i tessuti e i tagli sartoriali dell’alta moda europea degli anni Cinquanta vengono impiegati per sottolineare l’idea di costrizione e intrappolamento che condiziona ogni personaggio, in particolare la protagonista. Inoltre abbiamo casi di ricerca documentaristica sulla moda nera, come ad esempio The Remix: Hip Hop X Fashion di Lisa Cortes e Farah X, dedicato alle stiliste nere che hanno rinnovato lo stile per eccellenza degli anni Ottanta e Novanta trasformandolo in fenomeno globale. O più ampie riflessioni sull’estetica femminile nera e il difficile percorso nell’accettazione di un’evidente diversità spesso osteggiata e denigrata, come Black Barbie di Lagueria Davis o Imagine a Future co-diretto dalla già citata Cortes con Shola Lynch, a dimostrare l’intersezionalità che caratterizza la cultura nera: un universo ampio e variegato i cui diversi settori dialogano costantemente al suo interno.

IO-Nel tuo libro si parla di come la New Black Wave stia lavorando da un paio di decenni almeno all’elaborazione di un nuovo immaginario collettivo decostruendo gli stereotipi che hanno a lungo definito la rappresentazione afroamericana sullo schermo. Ti capita mai di chiederti come si evolverà ancora questa narrazione? Pensi che in futuro, anche solo una parte di questa, possa concentrarsi su racconti in cui l’etnicità non è più il valore distintivo?

LAPO-Sai, il cinema black è una produzione che da sempre ha posto al centro la rappresentazione valorizzata della propria etnicità e ha accompagnato, rielaborando e traslando, questioni, dinamiche e problematiche coeve a essa connesse. Non è facile prevedere come evolverà anche in un futuro prossimo. Certo, la situazione sociale nazionale e non appare molto complessa e forse mai come oggi la questione etnica è proprio il fulcro dei discorsi politici e civili: è dunque difficile pensare a un cinema black non incentrato su questo tema specifico. come diceva lo scrittore e saggista afroamericano James Baldwin: “Ciò che vorremmo vedere scomparire è la divisione dei popoli sulla base del colore della pelle. Ma fin quando noi in Occidente attribuiamo a questo colore il valore che oggi gli diamo sarà impossibile che le masse si dividano in base a qualsiasi altro principio. Il colore della pelle non è una realtà umana o personale, bensì politica. Ma è questa una distinzione così difficile che l’Occidente ancora non è arrivato a farla”.

IO-Se qualcuno si volesse avvicinare per la prima volta al cinema black, per aiutarlo, aiutarla a navigare meglio in questo universo e prendere consapevolezza del cambio di registro narrativo avvenuto nei decenni, quali sono 5 titoli che consiglieresti per iniziare e perché?

LAPO-Bella domanda... Comincerei dall’inizio: Within Our Gates, opera del 1922 del pioniere del black cinema muto Oscar Micheaux, figura emblematica e di riferimento per generazioni di registi neri a venire che faranno del suo esempio un prezioso insegnamento in nome di quell’autonomia creativa alla base di questa specifica produzione. Il film è una delle sue opere più significative, per l’impianto narrativo (è raccontato tutto in flashback, scelta assai poco diffusa in quel periodo), sia per l’intento di denuncia: la vicenda di una giovane nera determinata a raccogliere i fondi per aprire una scuola per i non abbienti della sua comunità nell’America segregata, è il pretesto per mettere in scena - per la prima volta nella storia del cinema statunitense - un’azione del Ku Klux Klan, da sempre argomento tabù del racconto elegiaco della nazione proprio di Hollywood.

Secondo titolo L’uomo caffelatte (Watermalon Man), primo film nero indipendente realizzato per una Major bianca, una corrosiva satira sul presunto progressismo dell’America di fine anni Sessanta firmata dal leggendario Melvin Van Peebles in cui un bianco sessista e profondamente razzista si risveglia una mattina inspiegabilmente nero, venendo a vivere letteralmente sulla propria pelle le conseguenze degli atteggiamenti e delle credenze da lui affermati. E’ un sardonico richiamo all’empatia che il regista rivolge al pubblico, in particolare quello di origine caucasica: provare a mettersi nei panni dell’altro per comprendere come ci si sente.. un principio ancora oggi così difficile da applicare tanto da rendere il film quanto mai attuale.

Fa’ la cosa giusta di Spike Lee. E’ scontato ma necessario sottolineare quanto questo film abbia contribuito a sdoganare e allargare il discorso attorno alla questione nera nell’America contemporanea. A quasi quarant’anni dalla sua realizzazione, il racconto della giornata più calda dell’anno in un isolato del quartiere di Bed-Stuy a New York dove convivono forzatamente americani di origine italiana, africana, ispanica e asiatica, risulta ancora di una modernità sconcertante, sul piano stilistico come su quelli contenutistico e concettuale. Scomodo, destabilizzante, tragico quanto irresistibilmente ironico nel tratteggiare personaggi e le contraddizioni insite nel tanto celebrato melting pot statunitense in una forma di dissonante canto della metropoli New York che è in fondo il grido di rabbia di un’America che ancora non ha sanato le sue ferite storiche, sociali e culturali.

Guardando al presente, Jordan Peele è forse l’erede più diretto dell’opera di Lee. Con Scappa - Get Out, sua opera d’esordio, ridefinisce i canoni del genere horror, mettendo al centro un protagonista afroamericano che deve difendersi dalle brame di dominio e possesso della facoltosa famiglia bianca della sua ragazza. Con uno stile innovativo e incisivo che estremizza la realtà per accentuarne le contraddizioni, Peele innesta nell’impianto del survival horror un discorso intellettuale sulla condizione odierna del nero nel contesto a maggioranza caucasica nazionale. Una spietata riflessione sul concetto d’identità e sulla lotta per la propria difesa in un ambiente in cui la diversità è vista con un insieme di curiosità e disprezzo. Un istant cult degli anni Dieci che ha portato sul grande schermo una delle correnti più significative del nuovo contesto culturale black, l’afrosurrealismo di cui ho parlato ampiamente nel mio secondo saggio Body and Souls.

Infine Harriet di Kasi Lemmons, opera di una delle poche registe afroamericane affermatesi (o confermatesi) in questi anni con racconti di grande rilevanza sull’essere donna in un contesto di doppia emarginazione (di genere e di etnia) come quella nera, attraverso ritratti di figure mature, capaci, determinate ma che non nascondono la propria umanità e naturali fragilità personali. La vicenda vera di Harriet Tubman, ex-schiava abolizionista poi guida per altri fuggiaschi e infine combattente nella Guerra di Secessione contro il Sud, diventa un esempio significativo del contributo dato dalle afroamericane alla causa nera dalla schiavitù a oggi e mai sufficientemente sottolineato. A questo si aggiunge la volontà di rilettura del passato nazionale tipica di una specifica corrente di questa nuova produzione black, atta a formulare una nuova mitologia che integri quella canonica bianca attraverso la rievocazione di episodi e personaggi dimenticati o quasi sconosciuti, in un gesto politico e culturale che evidenzi l’indispensabile e spesso non riconosciuto contributo afroamericano al progresso sociale e culturale del Paese.

Grazie Lapo!

Il 26 ottobre si conclude la mostra Superfine: Tailoring Black Style prodotta dal Metropolitan Museum of Art di New York.

L’esibizione ha portato in scena la complessa eredità dell’abbigliamento afroamericano (soprattutto maschile) dalla Diaspora Atlantica ad oggi attraversando epoche storiche iconiche come l’Harlem Renaissance, il Movimento per i Diritti Civili e l’era hip hop.

Inizio con questa foto perchè racchiude la sintesi e il senso di questo racconto. In un sincretismo culturale fatto di nozioni accademiche e storia di strada sono ritratti Dapper Dan con un (suo tipico) outfit che grida tutta la storia di Harlem, Monica L. Miller, autrice del saggio Slave to Fashion che ha ispirato la mostra e, sullo sfondo, un bomber full logo (fake) Louis Vuitton creato, insieme ad altri, dalla Dapper Dan’s Boutique negli 80ies.

Un falso Louis Vuitton ospitato oggi nella stessa mostra finanziata proprio da Louis Vuitton, maison che a suo tempo (insieme ad altre) portò Dapper Dan in tribunale per contraffazione e violazione dei diritti di autore con inevitabile, conseguente chiusura della sua storica boutique ad Harlem.

Reparation.

Il racconto in esposizione, suddiviso in epoche storiche e fenomeni culturali, pone sullo stesso piano il passato e la declinazione della sua eredità nelle creazioni stilistiche contemporanee. Ne racconto alcune.

#1 DANDY

Il Black Dandyism è l’espediente narrativo scelto per raccontare il valore che ha avuto l’abbigliamento nella comunità nera sia come strumento di mortificazione, sia come forma di libertà.

Se da una parte, in epoca di schiavitù, ci sono padroni bianchi che esercitano e affermano il loro potere vestendo la servitù con abiti dandy simili ai loro, dall’altra questi stessi uomini sottomessi, grazie alla nuova immagine imposta, iniziano a comprendere il potere trasformativo di un abito.

IERI E OGGI: il primo capospalla è una livrea creata da Brooks Brothers tra il 1856 e il 1864. L’azienda di New York produceva una grande quantità di abiti destinati agli schiavi e ai servi domestici del Sud. Sui bottoni è ancora visibile il simbolo del falco del Dr. William Newton Mercer, famoso proprietario terriero che possedeva 350 schiavi sparsi tra le sue piantagioni del Mississippi e della Louisiana. Entrambe le livree sono impreziosite da dettagli vistosi e di lusso che spesso si completavano con altri elementi esotici (come turbanti) amplificando l’oggettificazione del servo da parte di ricchi planters. Nell’ultima immagine l’insegna di uno dei primi negozi Brooks Brothers a NY, ancora attivo oggi (New York, 346 Madison Avenue).

#2 MUNGO MACARONE

IERI E OGGI: a sinistra un ritratto di Julius Soubise, domestico del XVIII secolo; a destra un autoscatto di Iké Udé performer contemporaneo.

Nella Londra del XVIII secolo Julius Soubise, domestico nero, sfida le aspettative e le norme della società attraverso il suo stile e il suo comportamento. Nato schiavo nei Caraibi, viene portato in Inghilterra per diventare parte della servitù della Duchessa di Queensbury che lo educa all’arte del gentiluomo.

Una volta emancipato diventa noto per il suo impeccabile stile dandy. In un’epoca in cui le persone nere, individualmente e collettivamente, stanno negoziando il loro status come schiavi emancipati, gli uomini dandificati come Julius possono invertire la loro invisibilità sociale usando lo stile personale.

Nel ritratto sembra posare in una sorta di passo di danza con un vistoso look spesso associato ai Macaroni.

Con Macaroni ci si riferisce a uomini che hanno spinto i confini della mascolinità tradizionale con l’utilizzo di completi colorati, accessori esagerati e maniere affettate rendendosi argomento di discussione e derisione nell’Inghilterra di fine XVIII. La crescita di Julius Soubise a celebrità sociale coincide proprio con l’epoca dell’infamia dei Macaroni e da qui il soprannome affibbiatogli.

In tempi contemporanei lo stile dandy è stato reinterpretato dall’artista nigeriano-americano Iké Udé che vive e lavora nella tradizione del dandismo. Iké usa le sue performances e la serie di autoritratti chiamato Sartorial Anarchy per ridefinire lo stile dandy del XXI secolo connotato da una fusione di epoche ed elementi di origine occidentale e africana. Qui indossa una parrucca tipica del macarone del XVIII secolo, una camicia francese del XX secolo, pantaloni nigeriani Yoruban del 1940, mocassini americani del XX secolo e in mano un bastone da combattimento Zulù del XIX secolo.

#3 MILITARY

IERI: L’abbigliamento militare, pensato in relazione alla storia black, è spesso sinonimo di orgoglio proprio come in questa sequenza di ritratti di leader haitiani, ispirati da quelli dei reali europei, che esprimono eleganza e fierezza nell’indossare una divisa militare. Toussaint Louverture (il primo da sinistra) è un rivoluzionario haitiano, nato schiavo, che ha guidato la rivoluzione di Saint-Domingue (l’attuale Haiti) culminata con l’abolizione della schiavitù e l’indipendenza della nazione diventandone il primo governatore.

OGGI: a sinistra due outfit della collezione Ezekiel di Grace Wales Bonner, stilista giamaicana, ispirata all’imperatore etiope Hailé Selassié in cui dialogano elementi di cultura africana e caraibica. Emerge soprattutto l’intervento, su un taglio sartoriale, di quella conosciuta come Rasta Belt, cintura rasta, realizzata nei colori della bandiera panafricana di Marcus Garvey (1920), simbolo della UNIA, Universal Negro Improvement Association. Proprio Garvey aveva predetto l’arrivo di un re nero che avrebbe garantito la libertà in Africa anticipando l’incoronazione di Selassié nel 1930, leader la cui sua missione era proprio quella di un’Africa unita.

A destra un look Balmain, la casa di moda francese guidata da Olivier Rousteing che ha fatto dei dettagli ispirati alle uniformi militari la cifra della maison (Rousteing si riferisce ai suoi estimatori come Balmain Army).In questo completo una giacca di chiara ispirazione military viene abbinata ad un paio di tracksuit pants di nylon.

IERI E OGGI: Nella prima immagine cappello in feltro originale Black Panthers e afro pick.

Nelle foto a seguire l’iconografia del Movimento Black Power si riflette nella rivisitazione di questi oggetti: afro pick e sua custodia in stampa cocco, gemelli oro con il pugno alzato e combat boots Givenchy. Il completo in pelle di Ferragamo è una citazione della tipica uniforme del movimento Black Panthers.

#4 TRAVESTIMENTO

L’abbigliamento, in particolare quello dandy, ha permesso in alcuni casi a persone in stato di schiavitù di ribaltare la propria sorte permettendo loro una scalata sociale. Famosa la storia dei coniugi Ellen e William Craft che travestendosi rispettivamente da uomo bianco upper class e da servo domestico sono riusciti a percorrere la Underground Railroad per sfuggire, nel 1848, alla schiavitù in Georgia arrivando fino al Nord degli Stati Uniti.

IERI E OGGI: Nella prima immagine un uomo schiavo di nome William Headley posa nel suo negro cloth per una foto utilizzata dagli abolizionisti del Nord impegnati ad informare, attraverso la distribuzione di queste immagini, rispetto alla realtà mortificante della schiavitù. Tuttavia il suo atteggiamento fiero conferisce inaspettata dignità e un senso di stile ai suoi abiti.

La risposta del XXI secolo la troviamo nel completo (di destra) disegnato per Louis Vuitton da Virgil Abloh, nel 2021, dove è presente un kente di origine ghanese molto simile al negro cloth del primo ritratto.

Segue una foto di Josephine Baker ritratta in un completo maschile dello stilista italiano Arturo Cifonelli per pubblicizzare il suo musical La jole de Paris nel 1949, anticipando il dibattito gender.

In risposta, nel XXI secolo, Ib Kamara (successore di Virgil Abloh) disegna per Off-White due completi maschili ricamati con caratteristiche femminili a manifesto della non conformità di genere.

#5 TAILOR MADE

IERI E OGGI: Nella prima immagine W.E.B. DuBois, sociologo, storico e panafricanista, è stato il primo uomo nero a conquistare un Phd alla Harvard University. Considerato uno degli uomini meglio vestiti della sua epoca, nel suo guardaroba erano presenti, oltre a completi Brooks Brothers, capi tailor made dai famosi sarti di Savile Row di Londra.

A seguire alcuni pezzi dell’armadio di Frederick Douglass, abolizionista e scrittore tra gli uomini più ritratti del XIX proprio grazie al suo stile impeccabile e personale.

Infine due completi di Molly Sills, sarto in voga intorno al 1980 che tra i suoi clienti può vantare lo stiloso fotografo Gordon Parks. Andrè Leon Talley, in quel periodo fashion editor a Vogue e devoto dandy, contribuisce al suo successo commissionando questo completo con taglio anni ‘30. Negli anni a venire lo stesso Talley ricorda come suo ritratto preferito una foto che lo immortala sulla Fifth Avenue proprio con questo outfit.

#6 HBCU Historically Black Colleges and Universities

IERI E OGGI: nell’acquerello A student at Howard del 1947 la professoressa e artista Lois Mailou Jones ritrae uno studente che indossa una giacca bomber in pelle precorritrice della varsity jacket o letterman jacket a dimostrazione di come i codici stilistici, all’indomani della seconda guerra mondiale, siano in fase di cambiamento. Nel 1946 anche la rivista Life riconosce in un suo articolo che lo stile degli studenti della Howard University, la più famosa tra le Università storicamente nere, è il più ricercato e migliore in assoluto nel circuito accademico.

Nella foto successiva due look contemporanei ispirati a quell’epoca. A sinistra un outfit di Mains, brand del rapper e stilista inglese-nigeriano Skepta, ispirato allo stile college e hip hop degli anni ‘90 in cui il taglio accademico si mescola a quello dello stile sportswear contemporaneo con un risultato molto simile al ritratto A student at Howard.

A destra un look della collezione Morehouse College disegnata da James Jeter, ex studente della Morehouse, per Polo Ralph Lauren. La capsule è ispirata ai completi tipici delle HBCU tra gli anni ‘20 e ‘50 del XX secolo.

#7 ZOOT SUIT

Lo zoot suit è il completo più in voga nel periodo della Harlem Renaissance, degli speakeasies, dei juke joints e dei cabaret. Indossato inizialmente dagli abitanti di New York e Chicago e poi da musicisti jazz come Cab Calloway, questo completo maschile dal taglio non tradizionale diventa simbolo di trasgressione per eccellenza. Disegnato per facilitare i movimenti sulla pista da ballo è proprio l’eccesso di tessuto a rappresentare una sfida verso le leggi che nel periodo di guerra ne limitano l’utilizzo portando nel 1943 ad uno scontro, a Los Angeles, tra neri e messicani contro la polizia. Nonostante la sua importante eredità storica non ha avuto un lungo utilizzo, conoscendo il suo apice solo tra il 1942 e 1944.

IERI E OGGI: Nella prima immagine Lee Edward Brown in uno zoot suit a metà XX secolo. Il ritratto Harlem Dandy di Miguel Covarrubias (1930 circa) ritrae lo spirito della Harlem Renaissance oltre ad uno scorcio della 135th street, la strada conosciuta come Striver’s Row dove gli harlemities più eleganti passeggiavano per essere visti. Due american zoot suits molto simili a quelli indossati da Malcolm X quando era un hustler ad Harlem. Nella sua autobiografia Malcolm descrive così la gioia e l’orgoglio di aver posato per una foto con il suo primo zoot suit: “I took three of those twenty-five-cent sepia-toned, while you-wait pictures of myself, posed the way hipsters wearing their zoots would cool it”.

Nell’ultima immagine due completi di Willy Chavarria influente stilista di origine messicana-irlandese che nel 2023 descrive al New York Times la storia di questa collezione: “l’estetica dello zoot mi tocca profondamente perché la sua caratteristica di prendere spazio con le sue forme e i suoi volumi è soprattutto una dichiarazione politica”.

#8 HIP HOP e SPORTSWEAR

Sono molti gli stilisti black contemporanei che nelle proprie collezioni continuano a raccontare con riferimenti e citazioni la storia della comunità nera. Lo stesso Virgil Abloh nella sua collaborazione con Louis Vuitton ha spesso incorporato forme tipiche del costume ghanese sia nei completi eleganti, sia nella parte più streetwear.

Tuttavia, tra la fine del XX e l’inizio del XXI secolo, è stata la cultura hip hop ad aver contaminato e definito nuovi codici stilistici soprattutto nel modo di vestire nero.

IERI E OGGI: Nella prima foto un outfit full Dapper Dan molto in voga tra gli hustler dell’epoca. Il bomber è stato creato nel 1987 per Jam Master Jay dei Run-D.M.C. mentre i pantaloni erano per Dj Hurricane.

Segue un look di Brick Owens per Bstroy (2017) ispirato ai total look full denim di DJ Kool Herc (nella foto successiva). I total look denim erano la cifra stilistica del primo hip hop come sfida al modo di vestire più formale.

La maglia da rugby adottata come nuovo elemento di stile da Ralph Lauren già negli anni ‘70, diventa cifra stilistica della golden era dell’hip hop. Questa, oversize, è stata disegnata da Rushemy Botter per Botter.

Infine un completo sportivo, ancora di Grace Wales Bonner, in collaborazione con Adidas (2021) ispirato da una serie di fotografie scattate da Sanié Sory a giovani neri nel Burkina Faso degli anni ‘80 (ultima foto).

Altre curiosità sulla mostra le posterò nei prossimi giorni sul mio IG

La ragione? Da giorni Kimmel, nel suo show, stava criticando la propaganda dell’amministrazione Trump relativamente all’ipotetica appartenenza di Tyler Robinson, il presunto omicida di Charlie Kirk, alle schiere liberal.

Ma il vaso è traboccato quando Kimmel ha scherzato sulla risposta non sense data dal Presidente rispetto alla morte e all’imminente funerale di Kirk che ricordiamo, era uno dei principali promotori e sostenitori dei valori e dei principi MAGA.

Eppure è esistito un periodo storico in America, molto difficile, in cui la libertà di espressione ha goduto tuttavia di maggiori possibilità.

In piena epoca Jim Crow, quella delle leggi segregazioniste sudiste Separate but equal attive fino al 1965, a NYC andava in onda, ogni domenica, un TV show che dava visibilità a molti tra i principali esponenti artistici appartenenti proprio a quella comunità afroamericana costretta a pesanti limitazioni, mortificazioni e violenze anche fuori dai confini del Sud.

THE ED SULLIVAN SHOW

Sunday Best

Andato in onda per 23 anni, dal 1948 al 1971, lo show condotto da Ed Sullivan presta il palco nelle sue millecento puntate a qualcosa come diecimila artisti, molti di questi afroamericani che fino a quel momento hanno goduto di una rappresentazione mediatica limitata o, peggio ancora, mortificata dalla pratica del blackface.

Seppure registrato a New York il programma va in onda, anche in differita, in tutti gli Stati Uniti e la varietà di ospiti sfida ogni volta il clima culturale dell’epoca.

Ed nasce ad Harlem nel 1901 e cresce in una zona abitata prevalentemente da ebrei ed irlandesi (di cui lui è un discendente).

Sin da bambino testimonia le discriminazioni e i limiti a cui queste minoranze sono costrette. Ormai famoso racconta in una intervista di come i suoi genitori, seppur genuinamente ignoranti e sprovvisti di strumenti adeguati, gli abbiano trasmesso tuttavia, sin da subito, il valore della sensibilità e dell’empatia.

Quando il suo show prende piede, Ed dimostra disinteresse e impavidità rispetto alle ripercussioni che le sue scelte di scaletta multirazziale possono rappresentare.

Mentre al Sud si radunano per contrastare l’integrazione al motto di “two, four, six, eight, we don’t want to integrate”, Sullivan promuove artisti che scova personalmente nella night life di Harlem in piena Renaissance.

Sarà per sempre riconoscente alla fedeltà che questi gli dimostrano in quegli anni, comprendendo molto bene che senza di loro l’inizio della sua carriera in tv sarebbe stata molto più difficile.

Il suo programma ha una scaletta standard che prevede artisti di vaudeville, uno o due comici, un cantante o un attore e poi un siparietto con Topo Gigio.

Il primo artista vaudeville ad aprire lo show di Ed è Bill “Bojangles” Robinson che ai tempi ha già recitato in alcuni film con Shirley Temple.

È un successo e “Bojangles” fa da apripista a moltissime altre future star: Cab Calloway, Jackie Wilson, James Brown, Ike & Tina Turner, Ella Fitzgerald, Dionne Warwick, Nat King Cole, Nina Simone, Steve Wonder, Jackson 5, Gladys Knight & the Pips e anche Elvis.

Spesso ospita artisti internazionali che vengono dall’Europa anche per una sola puntata, tra questi i The Beatles, di cui testimonia la beatlemania in prima persona durante un viaggio in UK, e i Rolling Stones.

E’ un uomo sensibile che patisce particolarmente le critiche. Tuttavia non abbassa mai la guardia e continua a portare avanti le sue idee anche quando i governatori segregazionisti del Sud chiedono di bannare lo show dicendo che non avrebbero contribuito “in nessun modo a sostenere economicamente un uomo (Ed) che promuove l’integrazione”.

Tra i più preoccupati dalla politica interraziale del programma ci sono le case automobilistiche Lincoln e Mercury che sponsorizzano i loro modelli nel segmento pubblicitario.

Hanno paura che gli agenti degli stati del Sud, vedendo il programma, smettano di acquistare le loro auto.

L’emittente CBS gli suggerisce allora di evitare di stare troppo vicino o almeno di non abbracciare gli artisti neri quando sono sul palco.

E’ stata la storia a raccontarci che cosa se ne è fatto Ed di quel suggerimento.

Kiss me GoodBye

L’Ed Sullivan Show ha chiuso nel 1971.

Ed è morto di demenza senile 3 anni dopo.

Nel 1974.

Una domenica sera.

A Sullivan è dedicato il teatro di Broadway dove per 23 anni si è svolto l’ed Sullivan Show e oggi va in onda il “The Late Show” di Stephen Colbert.

Per approfondire

Tre documentari:

Non sapevo chi fosse Erika Kirk fino al 10 settembre.

Ma quando ho scorso rapidamente il suo résumé, la frase “proprietaria di un brand di abbigliamento” ha subito acceso la mia attenzione.

Essendo interessata al tema ed essendo anche il mio lavoro nella vita analogica, con mia incomprensibile ingenuità sono andata alla ricerca di questo sito web (che in questi giorni, tra l’altro, è andato completamente sold out).

I nord americani non mi hanno mai dato particolare soddisfazione in questo ambito, anzi! Sono più le volte che ho alzato il sopracciglio o sorriso sotto i baffi e anche in questo caso, come avrei dovuto immaginare, è accaduto circa lo stesso.

Erika Kirk è una ragazza biondo platino, il suo stile è quello caratteristico di una buona porzione di ragazze o giovani donne carine, bianche e nordamericane: self tan, capelli lisci o con boccoli da piastra cilindrica, sguardo valorizzato da extension alle ciglia o da tatuaggio alle sopracciglia, unghie con protesi acrilica e per chi può, faccette dentali ultra white.

Forse per questo motivo, dal suo brand, mi aspettavo un’offerta in linea con questa immagine che di solito si traduce in felpe e t-shirt nei colori pastello con accennati interventi in stile college. Un pacchetto che di solito si completa con la proposta aggiuntiva di accessori quali: tumbler maxi sempre in colori pastello con possibilità di essere accessoriati dalla qualunque, lip balm nei colori e nei sapori pop, trucker hat e profumi per la casa.

E’ pieno l’universo e-commerce di proposte simili e se vi dovesse capitare di attraversare qualche Main Street non completamente morta, è possibile che uno dei pochi negozi attivi abbia proprio questo tipo di concept: solitamente bianco e nero (probabilmente a scacchi) con una insegna al neon rosa.

Ancora una volta ingenua.

Erika è proprietaria di Bible in 365, un programma online che ha l’obiettivo di accompagnarti alla lettura e studio della Bibbia in un anno (365 appunto) con il supporto giornaliero di incoraggiamento motivazionale attraverso e-mail o messaggi (come preferisci)in stile Tony Robbins.

La proposta complementare a questo è il merchandising.

Ovvio!

Siamo negli Stati Uniti: community, senso di appartenenza, gridiamolo al mondo, insomma…le basi! Come ho potuto non capirlo. Merchandising o “brand di abbigliamento” come forse ha preferito definirlo lei che, a prescindere dal gusto personale, da un rapido scroll del suo IG ,non è immune al fascino dei trends, caratteristica non così frequente da quelle parti, neanche tra i più giovani.

Sul primo punto, programma online, nulla da dire: Erika ha studiato (anche) alla Liberty University, l’università creata dal televangelista Jerry Falwell, recentemente in aria di fallimento ma che invece è riuscita a risollevarsi proprio grazie all’idea di uno dei figli di creare un pacchetto di lauree esclusivamente on line (oggi i loro ricavi derivano quasi esclusivamente da questo canale e non sono peanuts).

Nel ranking delle università americane si posiziona agli ultimi posti, oltre il 400esimo. Tuttavia il campus è spettacolare e dotato letteralmente di tutti i confort. Qui gli studenti pagano una retta bassissima se paragonata al costo medio (circa 30/40mila l’anno, senza contare tutte le varie sovvenzioni a cui possono richiedere accesso). Principalmente studiano infermieristica e la Bibbia e 3 volte a settimana (3 volte!) si radunano al Convocation (“the world's largest gathering of Christian student”) dove sovente vengono invitate a parlare molte tra le più alte personalità/celebrità del mondo conservatore (come Trump),ma non solo (come Bernie Sanders).

Fa sorridere forse, ma questa è l’arena, lo stage dove le Debate school classes fanno pratica, la cosa più intelligente offerta dal programma di studi americano che ruberei immediatamente. Le Debate classes sono lezioni in cui si stimola il senso critico, si impara a parlare in pubblico, si impara a raccontare un progetto, magari il proprio, si impara a raccontare se stessi e a difendere le proprie idee. L’utilizzo eventualmente storpiato di questo metodo è un altro capitolo, ma l’idea di base è ottima a mio avviso. È un percorso potente e acceleratore di idee e progetti.

Come quello di Erika.

Quel tipo di Università non può che aver rappresentato terreno fertile per la creazione del suo Bible in 365.

Il punto due, il merchandising, è quello più esotico agli occhi di uno straniero, o almeno ai miei, perché il concetto di “t-shirt con scritta” assume tutto un altro significato se si osservano gli Stati Uniti attraverso i suoi abitanti: i nordamericani.

Credo sia l’unico popolo ad indossare letteralmente la propria bandiera. Ci ho pensato, ma davvero: credo sia l’unico. Sì, la Union Jack è vero. Ma di solito è legata al mondo musicale (o a quello della MINI). La bandiera americana, la Stars & Stripes può diventare qualsiasi cosa: dal grembiule per lavare i piatti al costume da bagno passando per la facciata della propria abitazione, le flip flop, la fiancata della macchina e molto altro. Eppure non è stata questa la scoperta più curiosa, ma l’esistenza di un abbigliamento religioso o Religious Apparel.

In tutti gli Stati Uniti, in alcune aree in particolare, le highway o le secondary roads sono piene di banner con versetti della Bibbia. Proprio così: tra la pubblicità di un avvocato, del casinò alla prossima uscita, dell’application per l’esercito, un qualsiasi fast food o il Narcan gratuito presso la clinica tal dei tali, compare con frequenza regolare un verso della Bibbia, un monito sull’aborto o l’indirizzo su un centro per la conversione sessuale. Andateci e osservate attentamente fuori dal finestrino quando non siete alla guida se state storcendo il naso: vi accorgerete che ci sono delle perle anche se molto sbiadite dal sole a volte.

Pensavo di essere già stata sufficientemente vittima di shock culturale fino a quando non ho compreso che esisteva anche la proposta complementare: il merchandising.

Nel mondo del retail i piccoli pezzi servono a migliorare le performances di venduto (o kpi) come l’upt, la unit per ticket, cioè il numero di pezzi per scontrino, ma soprattutto fungono da strumento di fidelizzazione: sono un brand che vende maglie ma se ti porti dietro il portachiavi con il mio logo, o lo regali all’amica, fai “brand awerness”, rendi consapevoli gli altri dell’esistenza di questo brand. E se magari sei anche la persona giusta o siete in tanti a farlo, è possibile che anche altre persone desiderino entrare in questo gruppo che si riconosce dalle maglie che indossa e che, orgoglioso, vuole farlo sapere anche con l’esibizione di un piccolo oggetto di merchandising appeso alla borsetta o dove vuole.

Siamo una comunità. Questo è il senso. Compriamo tutti nello stesso posto che è quello “giusto”.

Certo poi interviene il percepito del brand: “grazie per il portachiavi ma se va bene lo uso per la chiave della cantina” oppure “mettimi in lista per averlo”.

Ecco, se questo è vero soprattutto nella cultura in cui sono cresciuta io, non è vero oltreoceano, rurale o big city che sia.

Il Religious Apparel è una realtà.

Non fa ridere.

Viene indossato con vanto e orgoglio anche quando fuori contesto purché sia chiaro che io sono parte di un certo gruppo. Fondamentale.

Sono parte di un gruppo che crede in questo.

Ci supportiamo e propagandiamo.

Buona visione!

Una piccola selezione:

Si mormora Rock ‘n Roll.

Beyoncé sembra avere fretta (di fare l’Act III? di diventare billionaria+ con un altro tour? di far parlare di sé continuamente senza comparire mai al di fuori di un palco? è solo stanca? non sappiamo…), ma siccome non ho ancora avuto tempo di metabolizzare la meraviglia estetica di Black is King e del Renaissance Tour, prima di girare pagina voglio fermare questo momento e raccontare l’”Americana” aesthetic portata nel mondo da Beyoncé con il Cowboy Carter Tour.

Album e tour, oltre al racconto visivo, hanno come obiettivo (raggiunto) l’ormai neanche troppo ambizioso fine di trasformare l’opera artistica e musicale in un atto politico.

“Non chiedete mai il permesso per qualcosa che è già vostro”

È così che apre (e chiude) il Cowboy Carter and the Rodeo Chitlin’ Circuit Act II composto da 32 date di cui 23 in Nord America e 9 in Europa.

Questo statement è tanto semplice quanto molto personale per l’artista che ci porta indietro di ben 8 anni per comprendere la reason why di questa dichiarazione fatta proprio in apertura.

Nel 2016 Beyoncé si esibisce ai CMA di Nashville con le allora Dixie Chicks (oggi solo Chicks) sul pezzo “Daddy Lessons”. Quell’ esibizione fa alzare più di un sopracciglio e la presenza di un’artista pop di quella portata nel tempio della musica country divide il pubblico.

Beyoncé lo definirà un atteggiamento razzista nei confronti di una donna nera che tuttavia è nata e cresciuta in un contesto geografico, quello del Sud degli Stati Uniti, impregnato di country e southern manners. Ricorderà, nelle sue dichiarazioni, di essersi esibita più volte, all’inizio della sua carriera, nel contesto dei rodei texani sia da sola, sia come membro delle Destiny’s Child. E molti dei suoi look di allora, più genuini di quelli di oggi, sono fortemente ispirati dai motivi stampa bandana, dai cappelli Stetson e dagli stivali texani.

“Sono cresciuta andando al rodeo di Houston ogni anno. Era un’esperienza fantastica, diversa e multiculturale dove c’era qualcosa per qualsiasi membro della famiglia, tra cui grandi esibizioni, snickers fritti alla Houston o cosce di tacchino fritte. Una delle mie ispirazioni è venuta proprio dalla storia sottovalutata dei cowboy neri americani. Molti di loro venivano chiamati cowhands e dovevano subire profonde discriminazioni e spesso erano obbligati a lavorare con i cavalli più indisciplinati. Grazie ai loro talenti hanno dato vita al Soul Circuit. Col tempo poi questi cavallerizzi di colore hanno preso parte a spettacoli incredibili e ci hanno aiutato a reclamare il nostro posto nella storia e nella cultura western” Beyoncé 2021

Non saprei dire se i critici avrebbero apprezzato di più la stessa performance fatta da Dua Lipa o da Billie Eilish (per fare l’esempio di due pop star bianche), tuttavia è fuori discussione che la questione che Beyoncé pone con l’ultimo album divide l’opinione proprio come da programma: il country è bianco o è nero?

(ne avevo scritto qui).

Negli Stati Uniti il country è, prima di tutto, uno stile di vita.

Nashville, la capitale eletta del fenomeno culturale, è una città giovanissima che ospita migliaia di artisti e aspiranti tali in cerca di fortuna. I locali nella Broadway, la main street, offrono loro, già dal mattino, la possibilità di esibirsi sui piccoli palchi non solo per i clienti, ma anche per chi passeggia.

Il Grand Ole Opry, la mecca di questo genere musicale, non è solo un teatro in cui due o tre sere a settimana si può assistere live all’omonima programmazione radiofonica, ma è anche la meta ultima di ogni artista. Ci si può esibire su invito, ma per essere accettato come artista membro, è necessario che un comitato approvi la tua candidatura (ho assistito, con sorpresa, ad una di queste investiture proprio nel 2018, vedi sotto).

Insomma, ha delle regole, anche rigide.

Tant’è.

Beyoncé se l’é attaccata al dito e ci insegna quanto fredda deve essere servita la vendetta: 8 anni.

Proprio dal 2016 e in particolare durante la pandemia del 2020, periodo che Bey definisce come il più creativo della sua vita, matura l’idea di un’opera musicale strutturata in atti (pare saranno tre in tutto) sullo stile di un’opera teatrale.

L’Atto I esce nel 2022 come Renaissance, un album omaggio alle radici nere e queer della club culture dove rende omaggio/si appropria/mette in luce, a secondo delle prospettive, la Ball Culture (ne parlo qui) raccontata molto bene solo qualche anno prima dalla serie Netflix Pose e prima ancora dal documentario Paris is Burning. L’estetica di questo concept è quella dei tessuti metallici e dei set strobo da night club.

L’Atto II esce nel 2024 come Cowboy Carter che lei definisce “non un album country, ma un album di Beyoncé”. Parafrasando Linda Martell nell’interlude di “Ya Ya”, questo album esplora diversi generi musicali ed è questo che rende l’ascolto interessante. Ed è vero a mio avviso, ma è anche vero che l’estetica con cui ha deciso di promuoverlo è quella tipicamente country.

È nell’Halftime del Super Bowl di Natale 2024 a H-town (dove è nata e cresciuta) che ci dà un assaggio di quello che sarebbe stato il tour mondiale svoltosi tra aprile e luglio 2025 (doveva partire a gennaio, ma è slittato a causa degli incendi che hanno duramente colpito Los Angeles).

Dietro a questo progetto ci sono cinque anni di lavoro e più di cento tracce prodotte di cui “solo” 27 sono state selezionate per l’album finale. Beyoncé firma come solo artist quasi tutti i suoi pezzi, ma le collaborazioni sono state tante e di altissimo livello. I nomi a cui concede di comparire (la questione dei credits è da sempre un tasto dolente quando si ha a che fare con Beyoncé) sono quelli di Willie Nelson (non in veste di cantante, ma di speaker della KNTRY station, radio di fantasia in cui i generi musicali sono annullati),Dolly Parton, Linda Martell (la prima artista country nera ad esibirsi al Grand Ole Opry negli anni ‘70), Shaboozey, Miley Cyrus, Post Malone e poi Brittney Spencer, Tanner Adell, Tiera Kennedy e Reyna Roberts quattro giovani artiste country nere poco conosciute fino all’arrivo di B.

L’Atto III si vocifera, come scritto in apertura, possa essere dedicato al rock. Vedremo.

E’ chiaro che l’obiettivo duplice dei tre atti, che hanno affrontato e affronteranno tre diversi generi musicali e culturali, è sia di celebrare e restituire il giusto riconoscimento al contributo nero dato alla musica, sia aprire un dibattito culturale e politico.

Per una parte Beyoncé è una donna nera di potere che si erge, più o meno dall’album Lemonade ad oggi, a paladina degli spazi non riconosciuti alla comunità afroamericana.

Per l’altra parte (non solo white) Beyoncé è una donna che abusa del suo potere è si appropria e guadagna milioni su nicchie e fenomeni culturali e musicali che con lei hanno poco a che fare, solo perché può farlo.

Intanto qui, con questa newsletter, fermo il momento storico e rimanendo in tema Black Style, faccio seguire il racconto di quello che è stato il concept estetico del Cowboy Carter Tour attraverso parole chiave.

(vi consiglio di accompagnare la lettura con immagini: il qrcode vi rimanderà al redazionale di W Magazine).

AMERICANA: per descrivere l’estetica del progetto Cowboy Carter si è parlato anche di Americana intesa come Americana Aesthetic dove il termine racchiude tutti quei simboli e quelle immagini stereotipate e nostalgiche che raccontano la cultura statunitense come l’aquila in volo, la stampa stars & stripes, l’Apple Pie, i Diners, la Cadillac Vintage, la musica country, l’estetica western e così via. Lana Del Rey negli anni ’10 è esplosa basando tutto il suo personaggio sull’utilizzo dell’Americana Aesthetic in una chiave nostalgica. Beyoncé, di contro, ne fa un uso più progressista e di rottura cercando di reimmaginare, attraverso questi simboli, una nuova America.

SHIONA TURINI: per questo tour e per lo spettacolo del Super Bowl è stata la stylist in capo alla guida di un team composto tra altri da Ty Hunter (amico di lunga data della famiglia Knowles) e Karen Langley (ex direttrice del britannico Dazed & Confused Magazine) con i quali ha studiato un guardaroba narrativo dove gli elementi country si sono ripetuti con costanza in chiave western-glam.

Pensavamo ancora a mamma Tina(:-) quando invece è Shiona che si occupa da anni dell’immagine di Beyoncè (con mamma Tina final approval chiaramente…). Per questo tour ha curato, in uno sforzo meravigliosamente coordinato, non solo l’immagine della queen, ma anche quella della sua numerosissima crew composta da ballerini e performer e dalla figlia Blue Ivy (che in questo tour, ricordiamolo, ha finalmente imparato a ballare). La Turini in passato ha anche lavorato per il film Queen & Slim collaborando proprio con Dapper Dan per la creazione del guardaroba Gucci old school del personaggio zio Earl (ne avevo già parlato qui)

L’estetica western creata per questo tour e album ha avuto un impatto importante sul mondo dell’abbigliamento e su quello della moda couture. Aziende di fast fashion come Primark, prevedendo l’onda country arrivare, hanno creato delle capsule speciali a tema distribuite negli stores presenti nelle città toccate dal tour: inutile sottolineare che sono andate in sold out in pochissimi giorni. Ma anche siti come Asos, Pretty Little Thing o Zara hanno visto un aumento esponenziale della richiesta di articoli cowboy-style.

“Boy I’ll let you be my Levi’s Jeans so you can hug that ass all day long” traccia 17

Un’operazione di co-branding interessante è stata quella tra Beyoncè e Levi’s (una delle poche aziende ad averla vestita sin da quando era ancora poco famosa) che dopo averla scritturata come testimonial del brand, ha prodotto una capsule di tee con logo rivisitato seguendo il trend della “i” raddoppiata in tutto il concep album, quindi LEVII’S (a rafforzare il “II” di Act II ).

La società di ricerca Mintel ha affermato che il tour ha dato vita ad una rinascita dell’estetica western nella moda. La rivista Vogue ha parlato di Rodeo Couture evidenziando come le maison di lusso abbiano attinto all’onda western rilanciata dall’artista per le collezioni F/W 25.

In generale in tutti i look con cui Beyoncé si è presentata sul palco o nei visual di accompagnamento, erano onnipresenti elementi stilistici come: stampa bandana, cappelli western, fibbie, stampa check, denim, chaps ed dettagli in pelle, tutti rivisitati in versioni impreziosite e molto sexy.

Ad ogni tappa ricorrevano i look a tema stars & stripes; tra i più fotografati quello di Lorenzo Serafini per Alberta Ferretti composto da un body cat suit full swarovski e una fake fur; quello di Coperni, il più imitato dai BeyHive, fatto da tuta nera aderente bell- button dove nella parte della gamba era cucita una bandiera statunitense; infine Elie Saab con un completo cat suit più guanti e stivali full fringe nei colori del rosso, bianco e blu.

BIANCO e ORO: due colori molto presenti, usati entrambi in full. Il bianco, a rappresentare la purezza e anche il colore della stella del Lone Star State (ovvero il Texas, lo stato in cui è cresciuta Beyoncé), è stato utilizzato nella performance di Natale. Il gold, ancora più presente nei dettagli e negli elementi di scena, è stato utilizzato soprattutto nelle performance di gruppo: nei look (by LaPointe) con le Destiny’s Child nella performance a sorpresa in occasione della data di chiusura del tour. Gli outfit ricordavano quelli indossati dal trio quasi 25 anni prima durante il TRL Tour 2001 di MTV. Poi nel duetto con Miley Cyrus, entrambe in Rabanne. Infine utilizzato dalle donne della sua famiglia quando sono salite sul palco per celebrare la festa della mamma.

BEYFLATION: si è parlato di effetto Beyoncé o Beyflation per indicare l’impatto economico che ha avuto in quelle città coinvolte nelle tappe del tour e sui gig-tripping (cioè i viaggi fatti per andare a vedere concerti). Dello stesso fenomeno si è parlato in occasione dell’Eras Tour di Taylor Swift.

CHITLIN’ CIRCUIT: il nome completo del tour è Cowboy Carter and the Rodeo Chitlin’ Circuit dove Chitlin’ Circuit si riferisce a quella rete di locali dove gli afroamericani erano soliti riunirsi per esprimersi ed esibirsi nel periodo della segregazione razziale. Il font della scritta Bang con cui chiude l’esibizione dell’Half Time è chiaramente ispirato a quello che veniva usato nelle locandine dei Chitlin’ Circuit. Anche il titolo Cowboy Carter invece di Cowgirl Carter è una volontà ben precisa dal momento che gli schiavi e gli ex schiavi, in periodo di segregazione, venivano chiamati in modo sminuente boy.

HEADLINERS: anche in questo tour è comparsa la scenografia del salone di hairstyle come imperituro omaggio all’attività imprenditoriale della mamma, l’Headliners Salon che Tina ha gestito a Houston tra gli anni ’80 e ’90 dove da piccola Beyoncé a volte si esibiva per le clienti. In una delle prime tappe del tour Tina Knowles è stata invitata dalla figlia sul palco per festeggiare il successo del libro Matriarch: a memoir (ne parlerò) scritto recentemente dalla mamma per raccontare la sua vita.

WILLY CHAVARRIA: uno dei più quotati stilisti americani di questi ultimi dieci anni, molto legato alla leather culture e alla ball culture, viene citato dall’horseman che guida Beyoncé all’ingresso dell’NRG Stadium indossando appunto un denim Chavarria.

LIPIZZANO: il cavallo che compare sulla copertina dell’album e quello che cavalca nell’esibizione del Super Bowl è di razza un lipizzano, cavallo che ha la caratteristica di nascere con pelo scuro e che crescendo si schiarisce fino a diventare bianco. I critici sostengono che lo abbia utilizzato come metafora della trasformazione della musica country nata dalle origini della soul music e poi diventata un genere only white. Una delle tradizioni a cui si rifà Cowboy Carter è quella del country soul, un genere che ha cercato di superare i confini tra country, soul, R&B, funk, gospel, rock e pop, quindi tra bianco e nero, e che ha tra i suoi esponenti Ray Charles o la più recente Allison Russell.

LINDSEY JAMES SHOW CLOTHING: un brand indipendente, scovato da Shiona Turini, specializzato nella creazione di costumi da rodeo (vi lascio qui il link alla pagina ig per volare). Ha disegnato per Beyoncé l’outfit full white del Super Bowl e un versione full gold per il tour.

BLACK COWBOY: la collezione 2021 di Ivy Park in collaborazione con Adidas era già ispirata dalla sua infanzia in Texas e dalla cultura western, ma soprattutto dalla storia dei cowboy neri. La valorizzazione del contributo black nel country è iniziata anni fa anche come eco del movimento Black Lives Matter. Nella performance Be Alive agli Oscar 2022 Beyoncé celebra proprio i Compton Cowboys (l’esibizione è infatti in differita da Compton), un gruppo di afroamericani che usa il cavallo per percorrere le strade di Compton e si impegna a connettere la comunità locale con la storia e la cultura dei cowboys neri. Come loro anche i Concrete Cowboy del Fletcher Street Riding Club di Philadelphia, un luogo dove i giovani, seppur in un contesto urbano, imparano a prendersi cura dei cavalli. Un’idea di Ellis Ferrell, il fondatore, convinto del potere trasformativo dell’equitazione. Il film Ghetto Cowboy ne racconta la storia.

CHAPS PANTS: sono stati l’accessorio più utilizzato, quasi onnipresente. Per onor del vero non una novità nè in generale, nè nel guardaroba di Beyoncé che già nel Reanissance Tour aveva sfoggiato un look simile by Mugler, una rivisitazione del meno famoso outfit creato sempre da Thierry Mugler per Connie Fleming alias Connie Girl, una delle ragazze più famose nella scena ball di New York degli anni ‘80 e ‘90. I chaps nascono come un secondo pantalone pensato per proteggere le gambe del cowboy e per farlo aderire meglio alla sella. La Turini li ha re-immaginati in chiave scintillante, sexy e girly per il Beyoncé C.C.T.. I più raccontati sono stati quelli creati da Tongoro, brand africano, che con B. aveva già lavorato in passato sia per l’album visuale Black is King, sia per il Renaissance Tour. I chaps metallici erano impreziositi da 444 cowrie shell e 444 cristalli (4 è il numero magico di B.) in un chiaro tributo alla craftmanship africana. Il brand è nato a Dakar nel 2016 da un’idea di Sarah Diouf e collabora esclusivamente con sarti senegalesi e con materie prime locali incentrando il suo storytelling sulla cultura e sull’ identità africana.

THIERRY MUGLER: La couture di Thierry Mugler è unica, architettonica ed iconica. Decisamente non daily wear è stata utilizzata dalle star nelle occasioni mondane ad eco internazionali o per visual ancora oggi immortali. L’ho conosciuto artisticamente nel 1991 con il video Too Funky di George Michael (di cui Mugler era regista) in cui comparivano le top model anni ‘90 tra cui Emma Sjoberg con indosso un pezzo di autentica Americana couture (parte delle collezione Les Cow-Boys del 1992). L’ho ritrovato esposto alla retrospettiva a lui dedicata nel 2022 a Parigi, al Muséè des Arts Decoratifs. Decenni dopo lo ha indossato anche Beyoncé insieme ad altre creazioni tra cui un costume in stile ape: Bee x B.

MEGYN KELLY: (famosa ex anchorwoman di Fox News) in un interlude del concerto Beyoncé fa ascoltare un estratto di un notiziario in cui Megyn Kelly afferma:

“La musica country esiste da molto, molto tempo. Arriva dritta al cuore dell’America e la maggior parte degli americani negli stati repubblicani la amava e apprezzava molto prima che la Queen Bey decidesse di metterci il dito”

Il video si alterna ad immagini di musicisti neri del passato e precede l’esibizione di America has a problem in cui B., Blue Ivy e il corpo di ballerini indossano una tuta bianca con la stampa ripetuta America has a problem sotto forma di titolo di giornale. La tuta è stata disegnata da Glenn Martens x Diesel.

ELEVEN SIXTEEN: è il brand del nigeriano-americano Ugo Mozie che ha creato almeno tre dei look che Blue Ivy indossa per ballare sulle note di Crazy in Love replicando alla perfezione la coreografia di mamma B. per l’omonimo video del 2003. Impreziositi dall’introduzione di cowrie shells placcate oro e statuette in bronzo del Benin realizzati entrambi in Nigeria e applicati sia sull’outfit, sia sull’ombrello utilizzato in un ingresso.

SIR DAVIS WHISKY:

“bottle in my hand, the whiskey up high. Two hands to heaven, wild horses run wild”

canta nella traccia 24 II Hands II Heaven. Proprio in un passaggio dello spettacolo Beyoncé siede su una poltrona mentre un braccio meccanico le versa del whisky da una bottiglia tempestata di swarovsky star & stripes. E’ una promozione alla sua più recente attività imprenditoriale nel business degli alcolici. Scelta quasi sempre vincente se pensiamo a Sean Combs con la vodka Ciroc o proprio a Jay Z con lo champagne Armand De Brignac. Questa forma un po’ tacky di promozione dei propri prodotti fuori contesto è ormai completamente sdoganata. Tra le promozioni più celebri: Rihanna che durante l’halftime 2023 promuove la sua linea di make up Fenty Beauty oppure Jay Z che si accompagna con un bicchiere del suo cognac D’Ussé nel video Drunk in Love di B.

TANK TOP, HOT PANTS: Dsquared2, Off-White e Sami Miro hanno rivisitato l’iconico look canotta bianca e denim shorts con cui B. debutta nel primo singolo da solista Crazy in Love.

BLACK BIRD: nelle tappe londinesi ha indossato una tee con le sagome ricamate di due merli neri. Il look è stato realizzato da Stella McCartney, figlia di Paul McCartney autore del pezzo Black Bird, una delle due cover (insieme a Jolene di Dolly Parton) presenti nell’album. Paul aveva scritto il testo nel 1968 dopo l’assassinio di Martin Luther King Jr. in un periodo storicamente importante, legato alle lotte per il riconoscimento dei Diritti Civili da parte della comunità afroamericana. La metafora del black bird venne utilizzata per descrivere la condizione di uomini e donne negli Stati Uniti.

RALPH LAUREN: ha creato un outfit total denim, full swarovsky, in stile western per la tappa newyorkese. Sebbene compaia poco nei redazionali dedicati al tour, portare sul palco il suo nome era imprescindibile dal momento che è il designer dell’American Dream per eccellenza (ne ho scritto anche qui). Il suo universo estetico fatto di Hamptons, preppy style, Ivy League stripes è stato capace, nel corso della sua lunghissima carriera, di passare da un target di riferimento all-white ad reinterpretazione del sogno americano molto più inclusivo con testimonial e capi riletti anche in chiave black.

BUFFALO SOLDIERS: a Parigi è riuscita a scatenare l’ennesima polemica indossando una tee con la stampa dei Buffalo Soldiers, una unità nera dell’esercito americano attiva tra la fine del 1800 e l’inizio del 1900. I critici l’hanno definita una maglietta anti-indigeno poichè i Buffalo combatterono anche contro i popoli indigeni nell’epoca della gold rush.

DOLLY PARTON: l’altra, molto discussa, cover è Jolene di Dolly Parton. Un po’come Willy Nelson, l’iconica star del country introduce il pezzo citando un’altra canzone di Beyoncé, Sorry, del 2016 in cui si lamenta di una certa “Becky with the good hair”, presunta amante del marito. Nell’interlude che precede la traccia 10, Dolly dice che la “hussy with good hair” le ricorda “someone I knew back when” riferendosi appunto alla Jolene della canzone del 1974. Non è passato inosservato l’aggiornamento del testo da “Jolene, I'm begging of you, please don't take my man” di una remissiva Dolly a “Jolene, I’m warning you don’t come for my man” di una Beyoncé in versione mob wife.

LOOK + BELLI secondo me: Schiaparelli, Loewe, Etro e Dolce & Gabbana. Menzione speciale ai cappelli passati in sordina di NYAvantguarde che mescolano in un unico prodotto più simboli "americana”.

I vostri?

Stylist, figlia culturale della logomania lanciata da Dapper Dan e introdotta all'olimpo della golden era dell’Hip Hop proprio da Sean “Diddy” Combs, Misa è tornata ad occupare i titoli di giornale in occasione del maxi processo al suo ex fidanzato accusato di traffico sessuale, abuso e sfruttamento della prostituzione (per una panoramica sul processo del secolo vi consiglio l’articolo di Fabio Germani scritto per “Humans vs Robots”).

Questa è la storia di Misa Hylton.

Misa nasce e cresce nel quartiere piccolo borghese a predominanza nera di Mount Vernon (lo stesso di Diddy), un sobborgo a nord di New York City non molto distante da Yonkers. Figlia di una madre di origini giamaicano-giapponesi e di un padre afroamericano, intorno ai 16-17 anni conosce e si fidanza con Sean Combs poco più grande di lei, ma già ben inserito nel mondo discografico presso la Uptown Records fondata da Andre Harrell.

Quando Sean viene promosso da stagista a A&R (“Artist and Repertoire”, cioè talent scout), Misa entra automaticamente a far parte dell’entourage della casa discografica e viene incaricata proprio da Sean di occuparsi dello styling dei nuovi artisti.

Il suo talento non nasce da altro se non da una innata passione per la moda, l'abbigliamento, i capelli e la capacità di far dialogare questi elementi fra loro. Racconta che già da piccola guadagna i primi soldi facendo i capelli ai famigliari e alle compagne di scuola con risultati che la portano a diventare un riferimento locale. Misa, alla Uptown Records, non porta con sé altro se non il proprio stile fly girl cioè quello di una ragazza con ai piedi Puma o Adidas e molto oro distribuito tra collane con il proprio nome o ciondolo Nefertiti, grillz e hoop o door knocker earrings.

Giovanissima entra così in contatto, grazie a Combs, con alcuni dei principali nomi dell’industria musicale dell’epoca da Al B. Sure! (ai tempi fidanzato con Kim Porter futura moglie di Sean) a Bobby Brown (marito della tristemente defunta Whitney Huston…coincidenza o presagio?)

Il primo compito che le viene affidato è quello che effettivamente segnerà una svolta nell’estetica della musica R&B. I Jodeci sono un emergente gruppo R&B/soul e la richiesta di Combs è che il loro stile rompa gli schemi fino ad allora adottati per questo genere musicale. Niente più completi eleganti (declinazioni contemporanee degli zoot suit se si guarda alla lunghezza delle giacche), ma spazio all’intervento di elementi presi in prestito dall'estetica Hip Hop: quindi hoodie, cioè felpe con cappuccio, combat boots e basketball caps.

Il suo primo lavoro è per il video “Gotta Love”: non è stato facile convincere Andre Harrell ma il risultato è rivoluzionario e la risposta del pubblico premia l’intuizione di Sean e Misa ( a dirla tutta a far parte di questa rivoluzione c’è anche un’altra stylist, la troppo poco citata Sybil Pennix).

Da questo momento in poi quella che fino ad allora era stata solo una passione, diventa un lavoro a tempo pieno tanto da portarla pochi anni dopo a fondare la China Doll Enterprise, società che forniva la consulenza di altri stylist, alle sue dipendenze, per collaborare alla sempre più crescente loro richiesta in occasione di shooting o video musicali.

Con Sean condivide il successo iniziale della sua stratosferica carriera, il primo figlio per entrambi, Justin Dior, e un pesantissimo incidente accaduto in occasione di una partita di basket tra celebrities organizzata proprio da Combs nel palazzetto del City College di New York. Per l’occasione il management, sotto la direzione e responsabilità di Diddy, vende più biglietti di quanti siano effettivamente i posti a disposizione. Quando i posti a sedere sono tutti occupati la sicurezza chiude le porte del palazzetto lasciando a bocca asciutta una folla (che aveva già pagato il biglietto) che in poco tempo si accalca contro le porte dell’ingresso dell’edificio provocando la morte di 9 persone letteralmente schiacciate e calpestate dalla ressa. Tra queste Sonya Williams, una cara amica di Misa che tuttavia, evidentemente, non era entrata dal suo stesso ingresso. L’incidente verrà poi chiuso sei anni dopo senza nessuna condanna, ma con delle pubbliche scuse da parte di Sean e un accordo economico stipulato con le famiglie delle vittime.

Sono soprattutto le donne dell’Hip Hop a rappresentare il core del business di Misa, in particolare Mary J. Blige (che però inizialmente è stata seguita proprio da Sybil Pennix) e Lil’ Kim il cui outfit agli MTV del 1999 è diventato così iconico da consacrare contemporaneamente lei come artista e Misa come voce autorevole nel mondo fashion. Ancora Faith Evans, Missy Elliott, Foxy Brown, LaLa Anthony, Kimora Lee Simmons e anche Beyoncé in un frame del video “Apeshit” girato dai The Carters al Louvre in cui Queen B indossa un outfit in stile Dapper Dan composto da bustier, fez con visiera e snorkel di pelle logato MCM (dal minuto 1’51” in poi).

Per Lil’ Kim ha creato lo styling del video “Crush on You” ispirato alle atmosfere di “The Wiz” ricreando i colori di Emerald City attraverso accesi look monocromatici che rappresentano una autentica novità per quel periodo.

Probabilmente la figura di Misa Hylton era meno conosciuta oltreoceano fino a questo 2025. Soprattutto fino a questo maggio 2025 che ha visto Misa coinvolta in due casi dal richiamo mediatico. Il primo per la sua presenza in aula al processo di Sean “Diddy” Combs per supportare, come ha tenuto a precisare, il figlio Justin e tutti i fratelli e le sorelle acquisiti, alcuni dei quali stanno rischiando di perdere anche il padre oltre alla madre (riferendosi alle gemelle D’Lila e Jessie e a Christian e alla prematura - e oggi anche sospetta - morte della loro madre Kim Porter). Il secondo per una causa intentata ai danni di Mary J. Blige, sua amica e soul sister di una vita.

La citazione ha stupito quasi tutti gli addetti ai lavori che sono da sempre a conoscenza dello stretto legame tra le due. La diatriba riguarderebbe un accordo commerciale sfumato dal valore stimato di 5 milioni di dollari. Mary J. Blige, secondo Misa, avrebbe minato il rapporto d’affari tra la stylist e il rapper Vado evitando di fare uscire l’album di quest’ultimo affinché anche l’accordo commerciale con la società MISA, che avrebbe trattenuto il 20% del profitto, venisse meno.

Secondo l’avvocato di Misa questa avrebbe cercato di trovare un accordo prima di arrivare alla denuncia (attraverso una LOI, Letter Of Information), ma le continue mancate risposte di Mary e in sostanza il suo ghosting dalla vita di Misa, avrebbe portato in luce, secondo l’avvocato, l’inequivocabile volontà della Blige di tagliare fuori dal business la Hylton.

Oggi Misa è Global Creative Partner per MCM un ruolo simile a quello di Dapper Dan per Gucci dove la volontà del brand è quella di utilizzare ambassador riconosciuti dalla comunità nera per entrare più facilmente nel mercato afroamericano con proposte commerciali pensate secondo i loro gusti, o per dirla alla Dapper Dan, “blackanized”.

Misa definisce il suo stile fuori dagli schemi, di ispirazione afroamericana ma con connotazioni asiatiche, un melting pot fortemente influenzato dalle sue origini miste. La strada, tuttavia, rimane ancora il suo stimolo creativo principale anche se a suo avviso ha perso l’autenticità di un tempo. La prima persona su cui sperimenta le sue intuizioni è da sempre lei stessa, sia con i look, sia con i capelli, perchè non c’è altro modo per vendere la propria arte se non rappresentandola.

Nel 2012 ha fondato la Misa Hylton Fashion Academy dove insegna il suo mestiere alle nuove generazioni e nel 2019 ha fatto parte del documentario “The Remix: Hip Hop x Fashion” insieme a April Walker, fondatrice del marchio urban “Walker Wear” e Dapper Dan, dedicato allo stile estetico della cultura hip hop della golden era.

Se siete curiosi di approfondire vi consiglio di farlo attraverso il suo profilo Instagram.

Per facilità di lettura e ascolto, ho suddiviso la storia di André Leon Talley in tre momenti:

#1 Dal Sud segregazionista alle più importanti redazioni moda.

La storia di André Leon Talley inizia nel 1948 in un ospedale di Georgetown a Washington D.C. dove nasce da Anna Ruth Davis e William Carrol Talley. A soli due mesi dal parto i genitori, però, decidono di portarlo a Durham, in North Carolina lasciandolo alle cure della nonna materna, Bennie Frances Davis, che lo crescerà e amerà come un figlio.

Frequentare la Chiesa, intesa soprattutto come comunità, è l’attività che più di tutte scandisce le giornate all’inizio della vita insieme tra André e nonna Bennie. Andare in chiesa, in quegli anni, per i neri segregati dell’America del Sud significa anche prendere parte ad un evento sociale importante, un autentico fashion show, una sfilata dei sunday best, i vestiti migliori messi da parte per la domenica!

A questo routine, all’inizio dell’adolescenza, André aggiunge quello che diventerà il suo passatempo preferito: andare nella biblioteca di Durham per leggere e sfogliare le pagine patinate delle più importanti riviste di moda del tempo, tra cui naturalmente “Vogue”. Qui, su questi giornali, non accade mai niente di brutto, la vita è solo un susseguirsi di esperienze eccitanti e conoscenze altolocate come quelle che per mesi compaiono sui rotocalchi per aver partecipato all’evento sociale del decennio: il “Black & White Ball” di Truman Capote. È proprio attraverso questi articoli che conosce i nomi non solo di alcune delle personalità più influenti a livello mondiale, ma soprattutto di alcuni stilisti che hanno contribuito alla creazione degli abiti per i selezionatissimi invitati al ballo.

Ma è l’inaugurazione presidenziale a John Fitzgerald Kennedy a rappresentare una sorta di epifania per André. Assiste all’evento trasmesso in tv insieme alla nonna Bennie e ad altri milioni di americani incollati davanti allo schermo. Jackie Kennedy è la più giovane First Lady ad entrare alla Casa Bianca ed è un’autentica influencer. André capisce di essere testimone di un momento storico. Da quel giorno, tutte le donne frequentatrici di chiese nere, adottano lo stile “Jackie”.

André si laurea in studi francesi alla North Carolina Central University, l’università statale nera di Durham. Consegue poi una seconda laurea, sempre in cultura francese, alla Brown University, una Ivy League a Providence, Rhode Island. Proprio qui, lontano dal Sud segregazionista e bigotto, è libero finalmente di dare sfogo al suo ideale estetico definito e influenzato dalle infinite conoscenze accumulate nel tempo sfogliando e leggendo le più prestigiose riviste di moda, tra cui naturalmente “Vogue”.

Diventa un fashion addicted e i corridoi dell’università sono la sua passerella. Reed e Jane, le sue amiche più care, nell’ottobre del 1974 lo portano a New York per assistere al Coty Awards Fashion Show presso il Fashion Institute of Technology. Qui è dove tutto ha inizio.

Scopre in quell’occasione che Diana Vreeland, la storica ex-direttrice di “Vogue America”, sta cercando volontari per allestire una delle sue prime mostre proprio al MET, il Metropolitan Museum of Art, di cui è diventata da poco consulente.

André si candida e non solo ottiene il ruolo, ma diventa uno dei preferiti della Signora Vreeland che una volta finito il progetto lo esorterà a non ritornare al Sud, ma a tentare la fortuna nella Grande Mela.

Per aiutarlo Diana scrive una lettera di raccomandazione ad ogni figura importante nel giornalismo di moda. Si assicura che venga invitato a tutti i parties che contano, incluse le leggendarie serate da Halston, lo stilista, dove proprio in una di queste André incontra Andy Warhol che già il mattino successivo lo assume per lavorare come assistente ad “Interview” la sua famosa rivista.

Dalla “Factory” di Wharol passano i nomi più importanti dell’arte, della letteratura e della musica e ad aprire letteralmente la porta spesso è proprio André.

Questo gli permette di arricchisce anche il suo portafoglio di conoscenze a cui inizia ad includere nomi come Manolo Blahnik, Azzedine Alaia e alcune socialite della città come C.Z.Guest, già “cigno” di Truman Capote.

Arriva il 1975 e con questo la grande occasione di intervistare Karl Lagerfeld l’affermatissimo designer di moda, antagonista a quell’epoca di Yves Saint Laurent, rivali nel business emergente e milionario del ready-to-wear.

Nasce in questo modo l’amicizia più importante della sua vita, un’amicizia che durerà 40 anni e che permette ad André di accedere al mondo della moda dalla porta principale, portando le sue connessioni ad un livello superiore.

Si licenzia da “Interview” e inizia a lavorare per John Fairchild, l’editore di “WWD”, una rivista considerata bibbia del fashion, e poi “W”. Nelle poche ore che trascorre fuori dalla redazione, lo Studio 54 diventa la seconda casa che frequenta almeno quattro sere a settimana. A breve riceve una promozione e viene trasferito a Parigi per seguire l’haute couture in modo decisamente più ravvicinato.

Nel 1978, quando si sposa Paloma Picasso, Andrè viene incaricato da “WWD” di seguire l’evento

Sono anni molto belli quelli in Francia e di grande formazione per la sua carriera, ma non si sente completamente libero. È consapevole di essere l’unica persona nera seduta in prima fila alle sfilate di haute couture.

È proprio Paloma a confessargli che in giro si parla di lui come di “Queen Kong”. Non è l’unica maldicenza che gira sul suo conto e così André decide di anticipare il licenziamento dalla Fairchild Publishing tornando a NYC su un volo pagato proprio da Karl.

#2 Gli anni a “Vogue America”.

Tornato a New York, sempre grazie a Diane Vreeland, André Leon Talley ottiene un lavoro come fashion editor presso la Johnson Publishing Company, di proprietà dei coniugi Johnson, società che pubblica dal 1942 le riviste “Jet” ed “Ebony”, magazine settimanali che si rivolgono alla comunità nera. Finalmente un lavoro che avrebbe reso orgogliosa la sua intera famiglia di chiesa, pensa André!

A questa segue un’esperienza come giornalista free lance che gli permette di entrare in contatto con la rivista “Vogue” guidata in quegli anni da Grace Mirabella.

Ottiene in poco tempo proprio da Grace Mirabella la proposta di diventare fashion editor. È in questa occasione, quella della firma del contratto, che André vede per la prima volta Anna Wintour da poco nominata creative director. Sta per nascere uno dei rapporti più importanti della sua vita.

La prima copertina di Anna come editor in chief è quella con la modella Michaela Bercu fotografata da Peter Lindbergh mentre indossa una giacca di Christian Lacroix tempestata di pietre finte, cucite intorno ad una gigante croce oro e abbinata ad un paio di jeans. I jeans non erano mai comparsi su una copertina nella storia di “Vogue”. Siamo nel 1988 e quel mix è rivoluzionario.

Solo l’anno successivo due delle persone più care nella vita di André perdono la vita a pochi mesi di distanza: Bennie, la nonna di André, e Diana Vreeland. Il dolore lo travolge e il cibo sembra essere l’unica risposta. Per cercare di far fronte a tutto questo dolore ricorre alla sfera religiosa, un ambiente che lo ha cresciuto e accudito, facendolo sentire meno lontano dalla sua amata nonna/mamma. Si unisce così alla Abyssinian Baptist Church di Harlem.

Siamo a cavallo degli ’80 e ’90 e questi sono gli anni di un’altra grande tragedia sociale: l’epidemia dell’AIDS. In tanti soccombono a questa crisi, molti nella cerchia della moda come Halston e il suo amante, il famoso vetrinista Victor Hugo. Ma soprattutto non sopravvive Jacques de Basher, l’amore della vita di Karl Lagerfeld.

André spera di alleggerire il dolore delle sue perdite confortandosi con Karl, ma è proprio in questo momento che inizia a scorgere le prime crepe nel loro rapporto. Karl è un uomo che non ama guardare al passato o indugiare nel dolore, ancor meno quando questo non è il suo. Un altro colpo basso per Andrè che ancora una volta ricorre al cibo per lenire le sue ferite emotive.

Continua a lavorare per “Vogue”, ad occuparsi in particolare degli shooting che gli permettono di stringere altre importanti relazioni professionali come quella con Helmut Newton che dichiara di voler scattare unicamente quando è André ad essere responsabile del progetto.

Conosce un giovane, semisconosciuto e molto squattrinato John Galliano. Riconoscendone il talento unico fa di tutto per trovare il modo di finanziare la sua prima collezione che effettivamente risulta essere un successo. Tutti a New York, da Bergdorf and Goodman, Saks Fifth Avenue e socialite come Anne Bass e Sao Schlumberg, vogliono i suoi vestiti. Questa sua sfilata fortemente promossa proprio da André, lancia Galliano definitivamente nell’olimpo della moda haute couture.

Ma nella memoria collettiva è Anna Wintour a passere come la madrina di Galliano anche se, in fondo, dal punto di vista di André, è stato lui a sbrigare tutte le faccende più pratiche e faticose per permettere a questa star di non cadere nell’anonimato. Ma questo suo ruolo, con grande rammarico, non gli verrà mai riconosciuto da Anna.

È qui che nel rapporto tra i due iniziano a formarsi le prime crepe. Anna, infatti, inizia a non prestare più attenzione ad André: smette di affidargli shooting importanti e non lo chiama più per fare da consulente alla serata del MET. È come se avesse deciso che i grandi incarichi per lui sono finiti. Ed è così che André, addolorato e mortificato, decide di lasciare “Vogue”.

A peggiorare le cose il suo aspetto fisico è sempre più ingestibile a causa del peso ormai invalidante. Per lui e per il ruolo che ricopre essere dapper e dandy è però una cosa troppo importante. Così prende spunto da due esponenti estreme dello stile: Anna Piaggi e Isabella Blow. Decide che la sua evoluzione stilistica deve diventare una riflessione sulla sua conoscenza del fashion, della sua storia così come della storia della pittura e della letteratura. È qui che inizia ad indossare i suoi famosissimi caftani.

#3 Gli ultimi anni della sua carriera e la sua eredità.

Nel 2001 riceve un invito formale da parte di Paula Wallace, fondatrice dello SCAD, il The Savannah College of Art and Design, a ritirare il Fashion Icon Award, un premio che celebra l’importante contributo di André nel mondo della moda. Da quell’incontro nasce l’idea di farlo diventare un premio annuale: l’“André Leon Talley Lifetime Achievement Award”. Il progetto è di celebrare ogni anno, in occasione del Senior Fashion Show (il diploma di fine anno), tutte le personalità che André ritiene debbano essere ricordate per il loro contributo al mondo del fashion.

La fine dell’amicizia con Karl e poi con Anna sono il dolore più grande nella vita di André, di cui scrive molto nella sua autobiografia “The Chiffon Trenches”. Alla luce di come sono andate le cose riconosce che probabilmente è diventato troppo vecchio o troppo grasso per Anna o forse lei non ha mai veramente pensato ad un ruolo superiore per lui. Forse quello che voleva da lui era la sua compagnia, il suo supporto di esperto nei fitting, nulla di più.

André Leon Talley si è distinto per il suo stile audace, la sua cultura enciclopedica della moda e il suo impegno nella diversità nel settore. È stato uno dei primi uomini afroamericani a raggiungere posizioni di rilievo nell'industria della moda e ha sostenuto il talento di molti stilisti emergenti.

Ha scritto diversi libri, soprattutto retrospettive di moda su Oscar De La Renta, Schiaparelli, Manolo Blahnik, Valentino, Diane Von Furstenberg e due autobiografie: “ALT” e “The Chiffon Trenches”. La sua vita è stata anche raccontata nel documentario “The Gospel According to André “del 2017 iscritto al National Register a Washinton D.C. per la sua rilevanza storica.

Sarà per sempre considerato un esponente Black Dandy per il suo stile distintivo, la sua teatralità e la reinterpretazione dell’eleganza e dell’alta moda come strumenti di auto espressione e affermazione della sua identità. La sua pagina Instagram è ancora aperta ed il primo luogo in cui vi suggerisco di andare per vedere quello che è stato raccontato in questa puntata.

Anche per André mi auguro la stessa cosa che spero per Dapper Dan: che venga citata la sua eredità dalla nuova generazione di presentatori e invitati che daranno vita ad uno dei MET Gala più attesi degli ultimi anni.

Stay Tuned

Questo il gravesite di André Leon Talley. Nella foto è ritratto con un piumino rosso oversize disegnato da Norma Kamali. Una foto e un look iconico di Talley a cui la sua amata Rihanna ha fatto il verso proprio nel suo Halftime al Super Bowl del 2023.

Dapper Dan è considerato ancora oggi, a ottant’anni, un visionario che ha cambiato le regole della moda ispirando un’intera generazione di giovani stilisti e anticipando, di decenni, il trend delle collaborazioni tra grandi brand e streetwear designers.

Per facilità di lettura e ascolto, ho suddiviso la storia di Dapper Dan in tre momenti:

#1 La vita di strada e gli anni dell’autodeterminazione.

La storia di Dapper Dan, al secolo Daniel R. Day, inizia nel 1944. Nasce e cresce ad Harlem dove i suoi genitori, come la maggior parte dei suoi abitanti, sono arrivati con la Grande Migrazione degli anni ’20. Padre di Emporia, Virginia e madre geechee della South Carolina, si stabiliscono ad East Harlem in un five story building tra la Lexington Avenue e la 129th street dove Daniel cresce con altri 6 tra fratelli e sorelle.

La vita ad Harlem non è facile. Sono poveri, ma, come ricorda nella sua autobiografia, sono circondati da così tanti altri poveri che quella condizione è l’unica che conosce.

È una Harlem in cui le porte dei condomini rimangono aperte a qualsiasi ora del giorno e della notte perchè qui vivono persone unite da una storia, da uno slang e da una cultura comune che fortificano il loro senso di comunità e sicurezza. Tuttavia, negli anni a venire, proprio queste comunità verranno rase al suolo per costruire i projects, palazzi di edilizia popolare, tutti uguali e costruiti in serie (o come direbbero gli americani cookie cutter buildings, edifici tagliati con lo stampino) che, mettendo insieme persone che non hanno più radici in comune, provocano la fine di quel senso di comunità e sicurezza.

La madre di Daniel è molto religiosa e il gospel del “Joe Bostic’s Gospel Train”, il più famoso programma gospel radiofonico, è la sveglia mattutina per Daniel e i suoi fratelli. È sempre affamato e a volte riesce a placare la fame comprando del ghiaccio da un italiano, Del Monte, che lo vende a 25 cents per le strade del vicinato; altre volte gli va meglio quando, per esempio, riesce ad ottenere della cioccolata calda in chiesa, dove va, insieme alla madre e ai fratelli, almeno tre volte a settimana.

Nonostante sia un quartiere black, il razzismo è presente anche qui, nella forma di colorism: ci sono, infatti, locali famosi come il “Cotton Club” che non assumono ragazze se hanno la pelle appena più scura di un sacchetto di carta. L’epoca del “Black is beautiful” è ancora molto lontana.

Harlem diventa, proprio in quegli anni, la base degli hustlers.

È da questi projects che Daniel vede regolarmente entrare e uscire non solo hustlers, ma anche musicisti jazz e inizia a studiare e ad ammirare i loro look. Nat King Cole e John Coltrane sono le sue prime icone fashion. I completi gessati e gli zoot suits sono novità portate proprio dai musicisti per dare stile e personalità a completi altrimenti ordinari. Sono le prime figure di riferimento ad avere un’estetica ed un gusto pieno di audacia e identità. Per dirla alla Dapper Dan: sono fly.

Per sopravvivere in strada, racconta Daniel, è imprescindibile coltivare la propria reputazione; per farlo è fondamentale costruirsi un’immagine ed è proprio attraverso la costruzione di questa che interviene l’importanza di un certo tipo di stile.

Per esempio: una delle prime cose che fa Daniel con i soldi guadagnati è un trattamento lisciante ai capelli conosciuto come “the process” che garantisce capelli stirati e un’ondulatura con effetto naturale tipo “finger waves”.

È sempre in questo stesso periodo che Daniel cade in quella che sembra ormai essere una trappola inevitabile: l’eroina. Del resto le tentazioni sono ovunque ad Harlem in quel periodo: la 125th è come una piccola Times Square con sale da gioco, teatri e cinema ovunque. Tra questi proprio l’immortale Apollo Theatre.

Daniel in quegli anni si impegna a studiare per diventare Sol, un mago, un prestigiatore di strada. Essere Sol non è cosa banale, significa far parte di una società segreta che si tramanda conoscenze da una generazione all’altra. Per diventare un membro essere fly è imprescindibile.

Daniel non può permettersi i costosi vestiti delle boutique di quell’epoca, ma deve andare fino al Garment District in downtown Manhattan e customizzare quello che trova nei negozi di seconda mano per rendere questi acquisti il più vicino possibile ai capi alla moda. Il risultato non tarda ad arrivare e il suo stile viene apprezzato così tanto da guadagnarsi in breve tempo il soprannome di Dapper Dan.

Questo soprannome, Dapper Dan, è un riconoscimento dal valore inestimabile, soprattutto per lui che, in questo momento, sta faticosamente cercando di mantenere un equilibrio tra la sua dipendenza con l’eroina e il desiderio e l’ambizione di non perdere sé stesso e la sua coolness.

L’epidemia della droga è di una portata tale per cui iniziano a nascere organizzazioni volte a dare delle alternative ai giovani harlemities. Tra queste la Nation of Islam. Ad Harlem il loro verbo si diffonde velocemente con la creazione di moschee lungo la 125th e la distribuzione, agli angoli dei blocks, del “Muhammad Speaks”, la rivista che diffonde il verbo di Elijah Muhammad, il creatore della N.O.I.

Non è solo una religione, ma anche un partito politico che insegna l’auto disciplina e l’auto difesa contro i bianchi che vengono visti come il demonio. Sebbene sia nata più o meno intorno agli anni della Great Migration, è solo con l’arrivo di Malcolm X che guadagna visibilità. Ed è in particolare quando un giovane Cassius Clay, poi Muhammad Alì, inizia a viaggiare ad Harlem per imparare da Malcolm X che la N.O.I. diventa conosciuta a livello nazionale.

Dapper Dan decide quindi di iscriversi ad una di queste organizzazioni nate a sostegno degli afroamericani, la Urban League, e in particolare al loro programma chiamato Harlem Prep che gli permetterà di accedere al college. La Urban League produce anche un magazine mensile chiamato “40 acres and a mule” per cui Daniel inizia ben presto a scrivere. Proprio questa collaborazione gli consente di accedere a quella che lui definirà l’esperienza più importante della sua vita: l’African Summer, un viaggio tutto spesato dalla Urban League in continente africano alla scoperta delle loro origini, dove ha la possibilità di assistere, tra altre cose, all’incontro di pugilato più storico di sempre, quello tra Muhammad Alì e George Foreman e di andare allo Zaire International Black Music Festival del 1974.

#2 Lo stile Dapper Dan: dai gangster ai rappers.

Il colpo di fulmine che ha conosciuto in Africa per l’abbigliamento, lo porta a decidere di aprire, una volta tornato ad Harlem, la Dapper Dan’s Boutique. È il 1982 e anni di vita di strada gli garantiscono rapidamente una clientela fatta principalmente di gangster e hustler di quartiere. Con suo grande disappunto nota che la stampa nera, soprattutto “Ebony” e “Jet”, lo ignora probabilmente proprio a causa di questa clientela.

La fama della Dapper Dan’s Boutique viaggia, a poco a poco, anche fuori dai confini di Harlem attraverso tutti e cinque i quartieri della città. Inizia a produrre capi di abbigliamenti per i più importanti gangster della città che vogliono capi sensazionali e unici capaci di suscitare lo stesso effetto che le borse griffate delle più famose maison europee come Gucci e Louis Vuitton sanno fare.

Si dirige così in downtown dove compra da Gucci tutte le garment bags disponibili. Queste grosse sacche proteggi-abiti gli permettono di ritagliare e utilizzare grandi pezze di tessuto monogram per fare cappotti e pantaloni. Inizia a produrre qualsiasi tipo di capo di abbigliamento non solo in Gucci, ma anche in Louis Vuitton, Fendi, MCM, portando queste maison europee ad un altro livello, o usando le sue parole, “blackanized them”.

Inizia a produrre anche per i primi rapper come LL Cool J e Rakim o per atleti olimpici come Diane Dixon. Lo stile di Dapper Dan è capace di evolversi sempre in base ai gusti e alle richieste dei clienti tenendo tuttavia fede alla regola numero uno nello stile black, ovvero essere “matchy matchy” cioè indossare sempre capi e accessori abbinati tra di loro.

Una sera del 1989 una rissa scoppiata davanti al suo negozio tra Mike Tyson, suo cliente, e Mitch “Blood” Green, porta la Dapper Dan’s Boutique sotto i riflettori. Ma non nel modo che Daniel sperava. Quando sul New York Times scrivono che la boutique, un business aperto tutta la notte, ha come clientela persone disposte a spendere anche 850$ per un capo, per molte persone, che non hanno idea di chi sia Dapper Dan, questa storia lascia più dubbi che risposte. Un negozio di abbigliamento aperto h 24? Ma soprattutto: chi spende 850 $ ad Harlem alla fine degli anni ‘80?

Nel video "Big Ole Butt" di LL Cool J, dal 1'20" compare la Jeep Wrangler di proprietà di Dapper Dan, prestata per quell'occasione, customizzata MCM.

#3 Le battaglie legali, la rinascita e la sua eredità.

La possibilità che i brand europei di cui lui utilizza il logo potessero, ad un certo punto, fare quantomeno delle domande, è qualcosa che di tanto in tanto aveva attraversato la testa di Dan, tuttavia è un rischio che sapeva di dover correre: del resto il suo pedigree è pur sempre quello di un hustler di Harlem.

Non molto dopo la rissa Tyson, Dapper Dan entra nel mirino di alcuni dei più importanti studi di avvocati di Madison Avenue. È l’inizio della fine per la Dapper Dan’s Boutique. Con parecchia ingenuità Dan decide di difendersi da solo non capendo, probabilmente, la portata del caso. La sua strategia difensiva è semplice: “non ho mai copiato nessuno” dichiara “le mie creazioni non sono beni contraffatti, ma omaggi interpretativi”.

It makes sense: del resto Fendi non fa snorkel o costumi da bagno a quei tempi. E neanche abbigliamento maschile. Ma non basta chiaramente. Il giudice stabilisce che gli vengano confiscati tutti i macchinari per un totale di quasi 250mila dollari. Un danno astronomico per Dan che non ha altra scelta se non quella di chiudere definitivamente la boutique.

Tuttavia, dopo un periodo di comprensibile difficoltà, torna a fare la cosa che più di tutte ama fare: rendere le persone fly. Converte la sua brownstone nel nuovo quartiere operativo e qui torna a produrre capi di abbigliamento ispirati ai nuovi gusti del momento che, chiaramente, sono cambiati. Le references sono principalmente legate al mondo del rap e dell’hip hop e lo stile più apprezzato, in quel momento, è quello aspirazionale di Tommy Hilfiger e Ralph Lauren: college, preppy e ivy league.

Fondamentalmente è stata la cultura hip hop a tenere in vita il suo nome e in particolare Jay Z che lo ha introdotto ad una generazione completamente nuova con il verso “Wear a G on my cheast, I don’t need Dapper Dan” nel brano “You don’t Know” del 2007.

La storia di Dapper Dan ha acceso più volte il dibattito sulla questione dell’appropriazione culturale. Ma Dan ha sempre dichiarato di non averci mai pensato più di tanto: l’interpretazione che hanno dato i brand europei del suo lavoro gli ha permesso di essere apprezzato ad un livello superiore. Non può dire la stessa cosa dei i primi black brand di moda hip hop come Phat Farm, Cross Colours, FUBU e Karl Kani che con il loro modo di reinterpretare il lavoro di Dan hanno invece mortificato la sua eredità culturale. Li ritine colpevoli di aver abbassato il livello con il solo obiettivo di capitalizzare velocemente lasciando, così, la possibilità alle maisons europee di inserirsi ad un livello superiore all’interno della cultura hip hop.

Oggi Dapper Dan continua a lavorare e a collaborare a diversi progetti. In questi anni ha creato una capsule di felpe in partnership con GAP distribuita anche in Europa e ha collaborato alla creazione dei look del bellissimo film “Queen & Slim”, una versione black di “Thelma & Louise”.

Ha una maison ad Harlem in collaborazione con Gucci dove si occupa ancora di realizzare capi su commissione dal gusto black, street luxury, hip hop. Questa collaborazione è nata dopo un crime of fashion: nel 2018 Gucci fa sfilare in passerella un capo spalla chiaramente ispirato ad un modello Dapper Dan, customizzato Louis Vuitton e creato per Diane Dixon. In molti parlano di appropriazione culturale. Ma Gucci risponde affermando che è stato un omaggio. Insomma: il tema è complicato. C’è chi commenta ricordando che Dapper Dan, per primo, si è appropriato di loghi altrui. Di contro c’è che gli omaggi andrebbero dichiarati in anticipo, non a posteriori. Rimane il fatto che il lavoro di Dapper Dan è un unicum nel mondo dell’abbigliamento e ha contribuito, con questo incidente, ad aprire la riflessione sulla questione culturale.

Quando sono usciti i nomi che compongono il board del MET Gala 2025 dedicato proprio al Black Dandyism, c’è stato parecchio stupore nel non sentire il nome di Dapper Dan nel board nonostante questo sia composto da eccellenze esclusivamente nere. Sappiamo che sarà comunque nel selezionatissimo parterre di invitati e che il suo look non mancherà di stupire (ne sono certa!). Ma quello che sono davvero curiosa di vedere e se qualche inviato citerà l’eredità di Dapper Dan indossando qualche capo ispirato al suo stile o, ancora più iconico, qualche pezzo originale (ma dove saranno conservati poi!?!)…magari le giacche di Eric B & Rakim o il bomber di Diane Dixon, pietra dello scandalo, nella (oggi sappiamo dal lieto epilogo) querelle con Gucci.

E’ il caso di dire: “All eyez on Dapper Dan”

#3 Lo stile afroamericano nell’epoca contemporanea.

Avvicinandosi alla fine del XX secolo l’abbigliamento afroamericano, sempre inteso come strumento di affermazione ed emancipazione, trova nuova espressione con la nascita di una subcultura in particolare, l’Hip Hop, destinata a diventare un fenomeno duraturo, mainstream e trendsetter per almeno tutti i 50 anni successivi.

Negli anni '70 New York è una città di contrasti estremi. Da un lato, il rischio autentico di una bancarotta, causata dalla crisi economica, aumenta la criminalità rendendola una delle città più pericolose d’America e proprio Harlem è una delle sue zone più rischiose.

Dall'altro lato, come spesso accade, tutta questa decadenza è anche culla di un grande fermento culturale. La scena artistica e musicale esplode con la nascita della disco music che domina in club come lo Studio 54, ma soprattutto con la nascita del movimento Hip Hop nel quartiere Bronx.

Più popolare del Rock ’n’ Roll, e più americano della Apple-pie, l’Hip Hop filtra , a poco a poco, all’interno di tutti gli aspetti della società, dalla musica, all’abbigliamento, passando attraverso l’atteggiamento e l’ideologia. Come per il jazz, l’espressione artistica tipica dell’Harlem Renaissance, l’Hip Hop nasce per dare voce agli inascoltati.

Il quartiere del Bronx è abitato, nel decennio dei ‘70, da circa un milione di persone legate tra loro da un nemico comune: la police brutality. Cercare di mantenersi comunità è una risposta.

L’11 agosto del 1973, al 1520 di Sedgwick Avenue, un giovane giamaicano immigrato negli Stati Uniti, organizza un block party, una festa di quartiere. È infatti un DJ conosciuto in zona con il nome di DJ Kool Herc. Durante questa festa introduce il "break beat", una tecnica che consiste nel ripetere le sezioni ritmiche di una canzone usando due giradischi, creando un flusso musicale che incoraggia il ballo e l’improvvisazione. Una tecnica che Kool Herc chiama “The Merry-Go-Round”. Nasce, quel giorno, quel pomeriggio, in un isolato del Bronx, l’Hip Hop.

I suoi elementi includono il DJing, l’MCing, il Rapping, il Breakdancing e il Graffiti Writing, cioè le espressioni creative più in voga, utilizzate dai giovani, per affermare la propria identità.

L’abbigliamento è uno degli aspetti fondanti e determinanti di questa cultura: oversize, vistoso e orgoglioso, glorificante dell’abbigliamento sportivo e della customizzazione dei gioielli. Una fusione tra comodità e ribellione.

La scarpa è uno dei capi di abbigliamento più importanti. La narrativa è talmente ampia che è necessario un cultore del sottogenere per navigare in questa categoria, anche se possiamo farci un’idea generale con un film anni ‘ 90 di Spike Lee oppure con il video e la canzone dei RUN DMC che a queste hanno dedicato il singolo “My Adidas”.

Non ci è voluto molto per capire che la ricerca di uno status attraverso l’abbigliamento può rappresentare una fonte di guadagno non indifferente. Intorno al 1996 alcuni artisti hip hop iniziano ad ampliare la loro offerta aggiungendo a quella musicale anche quella dell’abbigliamento, creando brand con collezioni fortemente connotate dal gusto “black”. Tra questi: Cross Colors, Karl Kani, FUBU, Phat Pharm, Rocawear, Mecca, Sean John e WuWear. In breve tempo si arriva ad una inevitabile over saturazione che mette la parola fine a molti di questi progetti.

Tutto questo mentre le maison europee e la loro aspirazionalità non ha mai smesso di essere il riferimento principale. I privilegi raccontati dall’haute couture sono quelli a cui tutti vogliono accedere. È in questo clima che nascono i primi progetti di collaborazione tra lusso e urban culture per arrivare a conquistare un pubblico più vasto.

Nel 2023 si sono celebrati i 50 anni della cultura Hip Hop. Quell’anno sono riuscita a visitare la mostra dedicata al MoPOP, il Museum of Pop Culture di Seattle. La mostra, fotografica, documentava la rivoluzione non solo musicale, ma politica e sociale dell’hip hop. È stata proprio la fotografia a cattura i momenti più iconici di una cultura che, effettivamente, non va solo ascoltata, ma soprattutto guardata, vista.

Ci sono due foto che più di tutte hanno fatto sì che il filo rosso che lega la storia dello stile nero, del black style, dal Black Dandysm dell’Harlem Renaissance alla cultura Hip Hop, non venisse spezzato.

Nel 1958 la rivista “Esquire” usa in copertina la foto scattata da Art Kane “A great Day in Harlem” dove dozzine di musicisti jazz vengono ritratti mentre posano di fronte ad una townhouse di Harlem.

Nel 1998 la rivista “XXL” commissiona un remake di questo scatto.

Allo stesso indirizzo della foto originale, sulla 126esima e Lenox, vengono radunati, quarant’anni dopo, circa 200 artisti hip hop che, tutti insieme, occupano le scale, questa volta, di tre townhouses. Dall’altra parte della strada c’è un uomo che della città e dei suoi quartieri black ha visto e vissuto tutto, a partire dall’Harlem Renaissance: il leggendario Gordon Parks, nei suoi ottant’anni e nei suoi abiti dapper e dandy come è solito vestire da sempre.

Lo scatto viene rinominato “A Great Day in Hip Hop” e per alcuni segna la fine della golden era di questa cultura. Come in una capsula del tempo, lo scatto ritrae gli anni ‘80 e i 90 che hanno dato alcuni dei più importanti, storici e influenti artisti e artiste dell’hip hop. Tutti e tutte le artiste presenti sono nati e cresciuti nei sobborghi della città. Questo, sarebbe cambiato poco dopo, quando l’hq dell’hip hop è migrato verso Atlanta, Florida, New Orleans, Texas e altri posti negli USA.

Come il jazz, anche l’hip hop arriva dalla cultura popolare. Sono entrambi fatti di inizi umili e persone normali che hanno creato momenti straordinari. In quei 40 anni, tra uno scatto e l’altro, Harlem è cambiata e con lei i suoi abitanti, quelli rimasti sin da allora, che hanno visto la nascita, la speranza, poi le rivolte, la piaga dell’eroina e del crack e poi la gentrificazione che ha, per sempre, cambiato il futuro della comunità.

Il Black Dandismo, come lo stile Hip-Hop sono entrambi più che vivi ancora oggi. Mentre il Black Dandyismo celebra l’eleganza come affermazione di dignità e successo, lo stile hip hop riflette il potere della strada e l’influenza culturale delle comunità nere. Entrambi, però, raccontano storie di resistenza, espressione personale e orgoglio nero, dimostrando che la moda è molto più di abiti: è un atto politico, una dichiarazione di identità.

segue alla newsletter precedente:

to be continued….

#2 Lo stile afroamericano nel periodo dell’Harlem Renaissance e del Movimento per i Diritti Civili

All’inizio del ‘900 Harlem diventa il cuore della cultura afroamericana, attirando migliaia di neri che con la Grande Migrazione hanno raggiunto il Nord degli Stati Uniti per sfuggire alle leggi segregazioniste e cercare nuove opportunità di vita e lavoro. Conosciuta come “The Negro Capital of the World” con la sua contagiosa e coraggiosa ricerca di riscatto, apre le porte ad un’epoca storica conosciuta come Harlem Renaissance.

L’Harlem Renaissance è il movimento culturale, artistico e intellettuale afroamericano che dando voce a scrittori, poeti, musicisti, attivisti e intellettuali ha sfidato le discriminazioni razziali promuovendo l’orgoglio nero.

Ad Harlem, la diversità dei suoi abitanti, provenienti da vari stati del Sud e dall’Africa, crea una comunità dinamica e progressista. Nonostante la povertà e le discriminazioni, Harlem diventa un luogo di speranza e di incoraggiamento all’espressione e alla creatività, capace di influenzare l’intera cultura americana. Il jazz è l’espressione artistica per eccellenza così come lo zoot suit, utilizzato dalla maggior parte dei musicisti: è un abito maschile iconico, caratterizzato da pantaloni a vita alta, larghi e stretti alla caviglia, una giacca lunga con spalle imbottite e ampi revers e un cappello fedora a tesa larga. Lo zoot suit diventa una affermazione di identità e orgoglio, un simbolo culturale associato alla musica jazz e swing.

Verso la fine degli anni ’50 e l’inizio dei ’60 prende forma il Movimento per i Diritti Civili, un movimento di lotta sociale e politica, guidato dal pastore Martin Luther King Jr., determinato a porre fine alla segregazione e alla discriminazione razziale, ancora in atto, nella società americana, attraverso le leggi Jim Crow.

Il modo di vestirsi, in questo contesto, ha avuto un ruolo significativo nella manifestazione dell’identità culturale e dell’orgoglio nero.

Le marce, i sit-in e le proteste sono caratterizzate sempre dall’utilizzo sapiente di un abbigliamento formale e curato, con l’obiettivo di sfidare l’idea che gli uomini neri siano “pericolosi” o “selvaggi”.

Un evento storico che scatta una delle fotografie migliori su questo tema è quello dei Little Rock Nine, i primi nove studenti neri ammessi, nel 1957, alla Central High School, di Little Rock, Arkansas, fino ad allora un istituto esclusivamente per studenti bianchi che da quell’anno accetta di aderire alla politica di integrazione. I video e le immagini del loro primo giorno a scuola, accolti da una folla di bianchi inferociti, li vede sfilare tra le urla, gli insulti e le botte, con i loro abiti migliori e uno standing orgoglioso e pieno di dignità che, tuttavia, nasconde delusione, rabbia e molta paura.

La costumista Ruth E. Carter, nel ricreare lo stile del Movimento per il film “Selma”, (film basato sulla famosa marcia Selma-Montgomery del 1965 guidata da Martin Luther King e John Lewis tra altri), ha sottolineato come la scelta dell’abbigliamento sia stato deliberato e mirato a influenzare la percezione pubblica del movimento.

A questo stile, negli stessi anni, si contrappone quello più radicale della Nation of Islam, che insieme a giacca e cravatta, utilizza spesso il Fez, un copricapo di origine orientale, e del Black Panthers Party che enfatizza il total look nero con l’utilizzo di pelle nelle giacche e nei cappelli.

Il Black Power ha spostato l’enfasi sull’orgoglio africano, portando ad un rifiuto degli standard estetici eurocentrici; la moda in questo periodo inizia ad orientarsi verso l’afrocentrismo, con capelli naturali, dashiki e abiti ispirati alla cultura africana.

In tutto questo succedersi di epoche, i Ball resistono. È di questi anni la serie tv, “Pose”, che ha raccontato l’espressione di questo fenomeno durante la New York degli anni ‘80. La serie è tratta dal docu-film “Paris is Burning” incentrato sulla ball culture, dove la regista Jennie Livingstone per sei anni ha frequentato e intervistato figure di spicco della scena newyorkese dei Ballroom.

Tra la fine degli anni ‘80 e 2000, poi, il Black Dandysm è riemerso come reazione all’omologazione della moda e alla cultura streetwear dominante. Dapper Dan, Andrè Leon Talley o il Dandy Lion Project propongono l’eleganza sartoriale utilizzandola come forma di resistenza estetica.

prosegui con la puntata 3:

È composto da tre puntate che pubblicherò con cadenza settimanale:

• la prima il 22 aprile,

• la seconda il 28 aprile

• la terza ed ultima lunedì 5 maggio,

giorno in cui si terrà il MET Gala a New York.

Questa, invece, vuole essere una newsletter di accompagnamento fotografico alle puntate del podcast perche trattano un tema, quello del Black Style, che, a mio avviso, non va solo ascoltato, ma soprattutto guardato.

Perchè “Black Style”?

È successo in particolare durante un mio viaggio nella Bible Belt, nel profondo Sud degli Stati Uniti, percorrendo lo stesso tragitto dei Freedom Riders, seguendo i percorsi delle marce del Movimento per i Diritti Civili, andando con loro a messa la domenica e visitando le decine di musei dedicati alla storia afroamericana, che ho capito quanto i vestiti, l’abbigliamento, la cura di sé e l’attitude abbiano rappresentato davvero lo strumento chiave per sfidare i codici razziali che per secoli li hanno relegati ai margini della società.

A Washington D.C. il Museum of African American History and Culture racconta la storia della comunità nera dalla Diaspora Atlantica ad oggi, passando attraverso le battaglie, le ingiustizie, il razzismo di cui è stata vittima, ponendo tuttavia l’accento a quanto, contemporaneamente, la cultura black abbia influenzato il costume e la società americana, e non solo quella, attraverso il cinema, la musica, l’abbigliamento e lo stile.

Il MET Gala di quest’anno avrà come tema proprio lo stile black.

L’ispirazione arriva dal libro del 2009 dal titolo “Slave to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity” di Monica L. Miller, professoressa di Studi Africani alla Columbia University e curatrice dell’evento insieme ad un board di altre eccellenze nere del fashion e dello star system.

Il libro è dedicato ad un aspetto particolare del costume afroamericano: il dandismo, una forma di espressione che ha avuto origine già nell’epoca della schiavitù. Tuttavia, gli uomini e le donne nere, negli ultimi due secoli in particolare, hanno creato numerosi, altri, fashion trend: dallo zoot suit di Cab Calloway ai berretti e alle giacche di pelle nera del movimento Black Power, fino all’estetica oversize e bold dell’Hip Hop.

Quello che hanno in comune il Black Dandyism e tutte le altre forme di espressione è che, appunto, nessuna di queste ha unicamente a che fare con la moda fine a sé stessa, ma sono tutti escamotage stilistici usati per combattere stereotipi ancora presenti nella cultura contemporanea dai tempi della schiavitù.

Il viaggio del mio podcast parte da lì, dalla dandificazione della schiavitù, e ci conduce ai giorni nostri, alla cultura Hip Hop, attraverso tappe memorabili e affascinanti come la formazione di Harlem, la “Negro capital of the World”, e il suo apice culturale conosciuto come Harlem Renaissance.

Oggi il Black Dandy o il Black Dandyism è soprattutto una forma di espressione estetica e politica in cui uomini e donne nere adottano e reinterpretano lo stile sartoriale classico mescolandolo, molto spesso, con elementi di cultura afrodiscendente. È caratterizzato da colori vivaci, stampe e accessori che volutamente richiamano la cultura africana.

L’abbigliamento elegante continua ad essere usato dai neri, non solo negli Stati Uniti, come strumento di resistenza e affermazione sociale. Un esempio è quello dei sapeurs del Congo, membri della Societè des Ambianceurs et des Personnes Elegantes, i SAPE appunto, che usano abiti raffinati come segno di dignità e sfida ai contesti sociali difficili.

Il Black Dandyism, ma più in generale il Black Style, non è quindi solo una questione di moda, ma è un atto di autodeterminazione e una rivendicazione dell’eleganza come forma di libertà.

#1 Nel periodo della schiavitù

Quando sono usciti i primi articoli sul tema che il MET Gala 2025 avrebbe adottato, ovvero il “Black Dandysm”, per definire “dandy” si è fatto riferimento soprattutto ad icone musicali come Andre 3000 degli Outkast, Sean Combs e Prince. Uomini neri che hanno fatto del loro abbigliamento “dandy” una cifra stilistica connotativa del loro essere celebrità. Stile che, però, in realtà ha origini ben più lontane e molto meno pop.

È proprio durante la schiavitù che avviene il processo di dandificazione della servitù nera. Durante questo periodo, negli Stati Uniti, i neri hanno fondamentalmente solo due opzioni: lavorare nelle piantagioni o prestare servizio come domestici nelle case dei “planters”, i padroni delle piantagioni.

Quest’ultima condizione, sebbene meno faticosa fisicamente e apparentemente più dignitosa, comporta in realtà umiliazioni e violenze psicologiche. Alcuni tra loro sono scelti per trascorrere gran parte del tempo in veste di accompagnatori della signora della magione che ama esibirli in società come si farebbe con un animale esotico, vestito di tutto punto con abiti sofisticati, per affermare il proprio status, la propria ricchezza e il proprio potere.

All’abbigliamento di alcuni servi, investiti del ruolo di damerini, non mancano tacchi, gioielli e calze femminili. Le movenze effemminate, di grande intrattenimento, vengono, proprio per questo motivo, incoraggiate.

L’epoca è la stessa, inoltre, di opere teatrali, come “The Padlock”, conosciute come Blackface Minstrel Show, cioè show con intervalli musicali fatti da pezzi cantati, le coon songs, dove il personaggio nero è interpretato, quasi sempre, da un attore bianco in blackface, cioè, truccato in modo che il viso diventi nero utilizzando la parte bruciata di un pezzo di sughero, una pratica razzista che deforma e accentua alcuni tratti somatici, come occhi e labbra, per ridicolizzare i neri.

Monica L. Miller, l’autrice di “Slave to Fashion”, il libro che ha ispirato il tema del MET Gala di quest’anno, parla di Crimes of Fashion ogni volta che i travestimenti di razza come il blackface sono simbolo di una parodia denigratoria, atta a minare l’identità e l’orgoglio dei neri.

Nel XIX secolo, con l’abolizione formale della schiavitù, in festival come Il Pinkster e il Negro Election Day, i neri trovano libertà di espressione attraverso lo stile e la danza. Nasce il cakewalk, una danza satirica nei confronti del privilegio e delle movenze bianche. Si diffonde in questo stesso periodo anche il termine “Vogue”, letteralmente “in voga”, anticipatore del Voguing, una forma di performance utilizzata nei Balls e resa poi contemporanea da Madonna e Beyoncè.

Questi sono momenti di libera espressione per i neri, soprattutto per la comunità queer nera, che provocano tensione non solo tra i bianchi, ma anche tra la black elite. Quest’ ultima, temendo il giudizio sociale, promuove uno stile più sobrio e conservatore per manifestare dignità e ottenere rispetto nella società post-schiavitù.

prosegui con la puntata 2:

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